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哥特金属

哥特金属 Goth Metal(港台地区则译作哥德金属)是一种揉合了重金属音乐及哥特风格音乐的混合物。它的发源时间始于九十年代初的欧美。某种程度上，哥特金属是难于确认和肯定的。有些乐迷及音乐人对於曲式分类有强烈的理念，但另外的人则认为这些曲式分类是没有用的。

简介

　　哥特金属被阴暗，不断喧吵的哥特摇滚的冰冷气氛和重金属侵略所包围，发现了在戏剧意识和用宗教，惊骇来装饰的抒情诗般的吸引力两种风格中存在着的中间立场。像前朋克般居先的哥特金属，暧昧的仿古，金属乐队般如Rainbow, Dio和Judas Priest般已被被形容为哥特的次要的嗓音，如果没有更多的特征，那么除了真正的哥特金属总是被哥特摇滚直接影响之外，缥缈的合成器效果和幽灵般的感觉同样和吉他重复段一样重要。因此哥特金属常常保留请求听众站在天平的两端。哥特金属最先在80年代中期前段浮现，以洛杉矶为中心，所以也常被叫做“死亡金属”，这个以Christian Death为首的发生地。很多哥特金属乐队自从在美国和欧洲跳跃起来之后，便通过tongue-in-cheek Type 0 Negative在90年代更广的另类金属听众中爆发了。在后10年期间，哥特金属同样被认为在黑色金属乐队寻找新的使他们的嗓音更低沉的道路上起了很重要的影响。
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风格

　　歌特金属是中世纪风格，单纯的歌特就是忧郁悲情的格调，就算是LACRIMOSA这样严肃的歌特乐队，但很多歌特金属的大多数作品歌特氛围都不太浓重。尽管还是有那么几首是很歌特怀旧的，歌特金属可不强调乐器的使用，不可与交响金属混为一体。
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发展后期

　　到了1990年代后，一群来自英伦北部的年青人借用了1980年代早期的哥特金属，并将之并入其音乐中，成为了以深沉结他演绎出慢板悲哀歌曲的Black Sabbath。自此，哥特金属或末日金属定名了，成为了一种金属的分类。演绎此类音乐的乐队包括Paradise Lost、My Dying Bride及Anathema。
　　虽然大部分的金属音乐在斯堪的纳维亚中都认定为死亡金属或黑暗金属，不过大部份此地中的乐队都玩一些比较带前卫及哥特金属的音乐，如Tiamat、Theatre of Tragedy和Lake of Tears。虽然Paradise Lost，Anathema在他们的音乐中加入女主音和音，挪威的Theatre of Tragedy被公认为第一队有女主音的哥德金属乐队。Liv Kristine Espenaes Krull後来被一个叫Nell的女主音替代了。
　　哥特金属现时在北欧发展最为大，尤其是挪威。
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混淆问题及分类方法

　　虽然此类金属较其他类型金属音乐的争议性少，但明显地，议论主要围绕著以形象上演绎还是侧重音乐上的演绎。
　　虽然哥特金属与其他金属音乐有相似的地方，难以确认。但一致性的定律仍然存在。
　　歌词集中在宗教和神、地狱与天堂、爱、惊慌、绝望、 丧亲、空虚和死亡。大部分的歌词内容早在20世纪前定位了。
　　主音多数有男主音和女主音，甚至两者皆备。男主音带有深厚的声线或死腔（咆哮、呻吟、吱吱声），女主音倾向於高音及似歌剧中的女歌手，同时衍生了剧院金属。
　　乐队队员身穿黑色紧身或阔袍衣衫，亦有成员面上化上浓妆，如涂上深刻的眼影。
　　变化大的吉他声及鼓声往往独立於歌唱之外，成为伴奏。
　　有时哥特金属会与力量金属和旋律金属混为一谈。
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哥特金属乐团列表

　　Tiamat ( 中文名称：泰麦特 国籍： 瑞典)
　　Lake of Tears (中文名称：泪湖 国籍: 瑞典)
　　Lacuna Coil (中文名称:空白缠绕 国籍：意大利)
　　Theatre of Tragedy (中文名称:悲情剧院 国籍:挪威)
　　Therion (神兽 国籍：瑞典)
　　Dreams of Sanity
　　Lacrimosa (中文名称:以泪洗面 国籍：德国)
　　The Birthday Massacre (中文名称：大屠杀 国籍：加拿大)
　　Leaves' Eyes （中文名称：叶之眼 国籍：德国-挪威)
　　Dark Princess (中文名称：黑暗公主 国籍：俄罗斯)
　　Estatic Fear（中文名称：黑暗之舞 国籍：奥地利）
　　Kingdonw
　　Angel(国籍：挪威)
　　Xandria(中文名称：仙朵拉 国籍：德国)
　　Mandragora.Scream(国籍：意大利)
　　The Gathering（国籍：荷兰）
　　Delain（国籍：荷兰）
　　TO DIE FOR(国籍 芬兰）
　　Evanescence(中文名称: 伊凡塞斯国籍:美国)
　　注意：
　　Within Temptation (中文名称:诱惑本质 国籍：荷兰)为交响金属乐队，该乐队仅前期风格较为哥特，近年来主唱已经说明wt为交响金属。
　　Nightwish (中文名称：夜愿 国籍：芬兰）为前卫金属，哥特的成分不多。
　　Lunatica(瑞士新兴女声叙事交响金属）
　　Epica(中文名称：史诗 国籍：荷兰）
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相关信息

　　现时所谓流行的哥特乐团，均注入了以下各种特色来演绎。
　　剧院金属(Opera Metal)
　　交响金属(Symthonic Metal)
　　死亡旋律金属(Death Melodic Metal)
　　死亡金属(Death Metal)
　　末日金属(Doom Metal)

新金属


新金属，指的是从1990年到2000年之间，涌现出的一些新乐队所创新出的，如下的音乐风格：它保留了传统重金属音乐中失真的音色和极端的音量，并在其中混合了嘻哈节奏、说唱和更具旋律性的主音部分；新金属音乐的音色与重金属相比，其实更加生猛和原始，因为新金属的吉他部分，不像是在重金属音乐中那么复杂，和占据那么重要的位置。

简介

　　新金属乐队在1990年早期，就开始在美国进行表演，但新金属音乐作为一种风格，露面于主流乐界却是在1994年晚期到1995年早期的事情了。最早在美国国内闯出名堂的新金属乐队，是“科恩”（Korn）乐队和“盲音”（Deftones）乐队。“科恩”乐队的首张专辑《Korn》，其中充斥着大量从重金属音乐中吸收来的吉他扫弦和失真音色，这种生猛、撕破脸式的作风，与传统重金属音乐讲究的繁复、高难度的主音吉他形成了鲜明的对比，同时新金属在节奏上更具跳舞性。这种新的风格吸引了大量已经对“涅磐”（Nirvana）乐队的Grunge风格进行简单模仿的乐坛感到厌倦的年轻听众。在科恩乐队之后，“盲音”乐队迅速推出了专辑《肾上腺素》（Adrenalin）。“盲音”成立于1988年，原本其实是一支传统的重金属乐队，1990年，乐队开始改变自己的音色，接受了嘻哈音乐的影响，在歌词中加入了说唱的部分。这种节奏强烈、融合嘻哈和说唱、吉他编排直来直去的音乐风格，在日后成为了新金属风格的核心特色。其他操练着同样风格的乐队，在“盲音”之后，也迅速得到了美国国内音乐市场的注意。在二十一世纪，由Linkin Park为代表的新金属继续前行，人气极佳.每张唱片更是卖到了几百几千万张。

新金属其实是一个十分笼统的名词，按照我个人的理解是新金属有广义和狭义之分。广义的新金属包含了九十年代兴起的几乎所有的新派重型音乐形式，包括Metalcore、Rap-Metal、Industrial-Metal等等；而狭义的新金属指的仅仅是说唱金属。由于这种广义和狭义的分辨不清，导致很多和说唱毫无关联的乐队被一些不了解新金属的朋友误认为是说唱金属。Nu-Metal，从权威媒介的解释上来看，本意是指暴怒金属，与传统重金属相比多了乐团成员灌输音乐其中的愤怒、狂暴元素在里面，而团员们借以表达这种思想的媒介又各不相同，借助core、Rap、Industrial等等。以至于这种类型的音乐夹杂的音乐元素、风格过于丰富，所以直到现在新金属也并没有成为一种独立的音乐风格。至于大多数朋友所持有的将新金属定义为说唱金属的观点是一种误区。这也许是因那些名气相对而言较大的新金属乐团很多都将他们的音乐渗透以说唱所致吧。
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金属音乐

简介
　　广义上的新金属无疑是个庞大的家族，要阐述清楚其发展过程几乎是不可能的。我按照自己的理解将新金属分为几个派系来简单的回顾一下其发展过程，做个大体的盘点。其实这几种派别之间的界限也是模糊的，许多乐队横跨了好几种门类，只能做大体的分类了。
1． 说唱金属（Rap-Metal）
　　这就是所谓的狭义上的新金属所指的物件。也是新金属大家族中最受争议争议、最商业化的一个派别。早在80年代就有许多乐队开始尝试把金属/硬摇滚和Hip-hop相结合，其中包括Beastie Boy、Faith no More、Anthrax、Areosmith等不同领域的艺人，但这些初步的尝试都未成大的气候。真正把说唱金属发扬光大了的应该是Rage Against The Machine。92年乐队的同名专辑绝对是张技术过硬的唱片，Tom在专辑中极富创造力和颠覆性的吉他演奏使他跻身百佳金属吉他手之列，更给那些指责新金属技术差的人一记响亮的耳光（其实Rage Against the Machine除了使用说唱的手法外，并没有Hip-Hop的音乐的特征，所以从某种意义上说他们并不是说唱金属）。这张专辑达到的水平是日后任何一个晚辈乐队无法达到的，甚至他们自己也无法在之后的专辑里超越。该专辑发表之后说唱金属的大浪就开始席卷全球了。整个九十年代都是说唱金属的天下，几百万的销量在使一支支乐队成为绝对的巨星时，却也让传统重金属、激流金属等不得不隐居幕后备受冷落，说唱金属因此遭到了无数死硬乐迷的咒骂。九十年代末说唱金属露出了疲态，在21世纪初由Linkin Park等新生代领导进行了最后的挣扎，最终淡出人们的视野。在新浪潮袭来的时候，说唱金属的境地也是最为尴尬的了，大多数乐队选择了解散（Rage Against The Machine）或转型（大多数转向Post-Grunge，比如Adema），剩下的也都苟延残喘，无力回天了。我不得不承认说唱金属是新金属中和传统重金属相差最大的，也是最为通俗、技术含量最低的（普遍来说），但也有玩得相对更成熟，技术更好的乐队。早期的优秀说唱金属乐队除了Rage Against The Machine外还有Korn，但他们在同名专辑和Issues中那种内敛、深沉，充满哥特味道的气质就更该受人崇敬——而不是颇受欢迎的Follow the Leader中通俗轻浮的感觉。另外有几个二线乐队同样实力超群，比如3rd Strike，其专辑Lost Angel的水平是Linkin Park远不能达到的。
　　重要乐队：Rage Against The Machine、Linkin Park、Limb Bizkit、Korn、Kid Rock、Papa Roach、（HED）pe、POD、3rd Strike、Adema、Tommy Lee、Reveille、Crazy Town……
2． 金属核（Metalcore）
　　这一派别实际上和说唱毫无关系，而且有些乐队还对说唱金属表现出一定程度上的厌恶（Slipknot就曾对LB表示过不满）。他们沿袭的是Pantera、Fear Factory、Machine Head等前辈的路线，同时又融合了其他的音乐元素，比如另类金属、激流金属以至死亡金属等。但因为多数乐队省去了solo、编排也多半更简单，并且大量的应用了电声，因此并不是特别金属，仍然显得新潮和时髦；这也和后来NWOAHM中的那些同样可以被称作Metalcore的乐队有差别。最早被归在了新金属当中的Metalcore是谁？也许就是Slipknot吧——这也是这个阵容里最成功的乐队。Slipknot的Slipknot这张唱片宣布了一股新力量的诞生。乐队在专辑中融合了Metalcore、Industry、Thrash、Death-Metal等多种成分，而特别的装束和9人的阵容也成为了乐队的标志。乐队随即成为商业上最成功的乐队之一而被人指责，但起码这张唱片是伟大的——如果你单单因为它商业就抵制它，那你就大错特错了——它和说唱金属完全是两回事。其实这一类型的新金属乐队的走红已经是在九十年代中后期了，也许是说唱金属已经不能满足乐迷的口味，这种风格才会一夜“暴富”，成为新金属中的新力量吧。Roadrunner公司成为这一流派乐队集中的重要厂牌（公司也因此在死硬乐迷群中得到了很不好的名声），它签下的乐队都还是值得一听的，除了上面说过的Slipknot外，个人还尤其推荐Soulfly（充满着死亡金属的质感和南美民族特色）、Coal Chamber。另外Mudayne也是个十分优秀的乐队，其首张专辑L.D.50是一张需要时间来消化、有一定深度的专辑，你若要指责新金属的技术和编排，不妨先仔细品味下这张专辑。这个阵容就和传统重金属更亲近，因此在新浪潮袭来的时代，这个派别的乐队可以说是应变最灵活的，他们纷纷加入激流、旋律死元素，完成了向Nu-Thrash的转变，从新金属的残兵成为新浪潮的弄潮儿。另外我一直认为如果没有这一批乐队让年轻乐迷的口味变得更重而并不仅仅限于说唱金属，之后的新浪潮运动是难以成大流的。虽然这些乐队被视为新金属，但他们和后来的好多NWOAHM乐队是有共同的根基的。从某种意义上说，他们也是重金属回潮的铺路人。
　　重要乐队：bullet for my valentine、Slipknot、MushroomHead、Mudvayne、Coal Chamber、Spineshank、Soulfly、Kittie、Down the sun、Flaw、Ultraspank……
3.工业金属(Industrial-Metal)
　　这同样是新金属中很重要的一个派别，它的影响一直延续至今，正是这一批乐队把工业和金属结合的更加紧密。我一直认为可以把Marilyn Manson&Spooky Kids、Rammstein等乐队也归为新金属，因为90年代后工业金属和新金属的界限是很模糊的——有些工业金属乐队被带上了新金属的帽子，而有些又没有，但那些带了这顶帽子的乐队和没带的其实在音乐上没有太大差别（比如Marilyn Manson&Spooky Kids被叫做工业/哥特金属，而和其风格很相似的Dope却被叫做新金属）。这些乐队受到的影响主要来自NIN、Rob Zombie和Fear Factory，当然其中也有相当一部分带有Metalcore的成分，比如Static-X（他们99年的第一张专辑把工业金属和激流、硬核等元素完美结合，一直是我心目中这一领域里最杰出的唱片，但后来他们就一张不如一张了）、American Head Charge；另外一些乐队更多的沿袭了NIN的路线而更轻更舞曲化，比如Apartment-26（这个英国乐队曾被视为NIN的接班人），还有的则显出阴暗的哥特气质，比如Godhead、Dope（这也是我十分推崇的乐队，神似Manson但超越Manson）。这个阵容也是崛起于90年代中后期的，可是不知为什么这一类型的乐队里真正大红大紫了的并不如前两种派别里的那么多，多数处于半红不紫的境地。在新浪潮的冲击下，这个阵容的乐队似乎受到的影响并不太大，其中少数尝试着加入了新浪潮元素（如American Head Charge05年的专辑），保持着不俗的水准。
　　重要乐队：Static-X、Dope、Apartment-26、Powerman 5000、American Head Charge、Orgy、Godhead、Gravity Kills、Marilyn Manson&Spooky Kids……
4.后垃圾摇滚（Post-Grunge）
　　这个类型在新金属中占有的份额是相当大的。这些基于Nirvana、Alice in Chain等，又加入了一些金属成分但实际其根基不是重金属的乐队很多被认为是新金属。在说唱金属风靡的时期，这个派别并未受到太多的重视，但随着90年代Creed等前辈（这些乐队一般不被归在新金属中）取得的巨大成功，一时间涌现出了一大批形式上更多样化的Post-Grunge乐队，其中很多被划入了新金属的阵容里。最具有代表性的乐队有偏向说唱金属的Drowning Pool（他们的第一张唱片Sinner是很值得聆听的），带有传统重金属风格的Godsmack（这也是新金属中极少数弹吉他solo的乐队，唱腔也很old-school）、Soil（这个乐队5名成员有四名之前是玩死亡金属的，音乐中流露出的那种气质确实是一般新金属不具备的），被带上哥特金属的帽子的Evanescence（被戏称为“伪哥”），偏向Metalcore要重得多的Stonesour（活结的分支，虽然形式上很重，但其根基同样是Post-Grunge），以及更为通俗和流行的Nickleback（加拿大乐队，成名曲How you remind me的确相当动听）、Staind等等。甚至连21世纪新浮出水面的一些说唱金属乐队，比如Linkin Park，也是带有很浓厚的Post-Grunge味的。包括一些流行朋克乐队象Sum 41等，其实质也是Post-Grunge，在此不作讨论。这也许是种很“俗”的流派，大多数乐队技术含量低、通俗易懂而且许多乐队大同小异，没有什么自己的特色。上面列的几个算是最有特点、水平最高的了。其他的那一大票乐队（主要集中在Wind-up公司旗下）象12 Stones、Eleven Finger等等也没有必要去听了。新浪潮的冲击下，这个阵容里的乐队多数都减少了金属成分，退回到单纯的Post-Grunge而得以存活，虽然境地不象说唱金属那么尴尬，但业绩也不如从前了。记得一篇文章里把Post-Grunge比做木乃伊——虽然是陈腐的尸体，但同样可以显出几分姿色，如果悉心呵护，它能够长存——这种说法不无道理。
　　重要乐队：Godsmack、Drowning Pool、Soil、Staind、Saliva、Cold、Chevelle、Stonesour……
5．另类摇滚/另类金属
　　（Alternative Rock/ Alternative Metal）
　　其实绝大多数新金属同样可以被称为另类金属，但是有些乐队不太符合上述几种阵容的特征，因此我把他们单独讨论并笼统的挂以“另类”之名。所谓另类金属/摇滚的范围也是相当广阔，其中可以包括很多不同门类。比较具有代表性的是继承了Tool的深邃晦涩又加入了大量电声的Deftones（刚开始听他们的音乐也许不是太容易接受，但他们的每张专辑都是值得慢慢品味的），从Funk转型为新金属、更流行更轻的Incubus，带有朋克/硬核根源，极具攻击力的Murderdolls（又是Slipknot的分支）、Snot（不太出名，是个短命的乐队，随主唱去世而解散，只有一张正式专辑），偏向old-school，曲风纯熟的Disturbed（才华横溢的乐队，带有以上所有风格，只好把它归在这里。那首Down with the sickness无疑是新金属中最脍炙人口的经典；第二张专辑我个人认为是失败的，充满了Post-Grunge式的段落，特色流失了很多；不过05年的新作再次回归本色并加入了thrash元素，证明乐队的实力不俗）等等。这一门类中还有几个乐队是以民族音乐特色见长的，其中首推System Of A Down，乐队融入了中东特色，旋律节奏都十分独特，时间和业绩证明他们已是新金属中的王牌了，新金属没落的05年乐队更用一套双张专辑震撼了乐界，足以使其从“优秀”成为“伟大”；另外还有将金属和拉丁音乐完美结合的Soulfly和Ill Nino，当然从另一个角度看这两个乐队也是Metalcore，他们音乐形式更重，后期都转向新浪潮也是证明。另外有个二线乐队叫Skindred也在尝试把民族元素融到金属中，主唱可以把英语唱得如同某种土语一样，许多方面可以媲美System of a Down了。新浪潮冲击下，这些乐队依靠民族特色很好地存活下来了，而象Deftones、Disturbed等乐队也没有受太大影响，仍然发行了新作，销量、评论都不错。
　　重要乐队：Deftones、Linkin Park、Murderdolls、Snot、Incubus、From Zero、Disturbed、System Of a Down、Ill Nino、Soulfly 、Nothingface、Taproot、Lostprophets 、Sevendust、Trust Company ……
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音乐思想

躯体里的骨架
　　如果把音乐比做一个人的躯体，那么音乐所传达的思想和主题无疑是躯体里的骨架，各个时期的音乐所宣扬的思想是不同的。如果说60年代的嬉皮士倡导爱与和平，70年代的朋克们鼓吹无政府主义，80年代的极端金属宣扬反基督/撒旦主义，那么90年代的新金属的主题则更多的是关于对现实生活的批判和思考。我不得不说新金属中有很多乐队的愤怒是盲目和空洞的，每首歌词里都充斥着肮脏的字眼，但实际上很缺乏有深度的思考或独特的见解——仅仅只是愤怒而已。当然这种毫无顾虑的一味的愤世嫉俗也不是绝对的就不好，它一定程度上也能让人大呼过瘾，比如Slipknot的People=Shit，但我认为好的音乐除了音乐性外，思想性是必不可少的。
积极向上的主题
　　我向来同意摇滚乐的主题应该是积极向上而联系实际的——缺乏思考的愤怒、偏激的态度或装腔作势的神秘深奥都是我个人不赞同的。摇滚乐应该拥有积极的愤怒和理智的疯狂。记得国内的一位乐手——天津的呕吐乐队的灵魂人物王凯歌曾经把摇滚在思想上分为四类：滋事者——盲目愤怒不顾后果；举报者——提出问题而不发表见解；逃避者——脱离现实讲述宗教、史诗内容；了事者——冷静理智，提出并解决问题。这个精辟的总结我十分同意。可惜不少新金属乐队属于滋事者（上面就提过）或举报者，了事的不多。那些有点自己的思考的，不少也很消极，比如象Manson那样大量描述毒品、犯罪和性，通过一些“惊世骇俗”的变态行为来制造噱头——虽然这是美国主流文化中占有很大比重的低俗的那一面，虽然不能否认他在音乐上的天赋，但这些言行是我个人比较反感的。
政治色彩很浓
　　好在也存在着了事的新金属乐队。比如政治色彩很浓的Rage Against The Machine，虽然他们鼓吹的政治言论未必能让很多人信服，但可以看出他们对现实的思考是积极而冷静的，象Take the power back的歌词确实很有启发性。同样政治化的还有System of a Down，但这个乐队歌词涉及的范围更广，除了反战（Why don’t president fight the war， why do they always send the poor？）、质疑政府等常见题材外，还充满了环保主体以及对科技(Science has failed our mother earth)、对人性的独特思考。此外还有Soulfly那充满了民族自豪感的宣言同样是激动人心并且值得我们中国的乐队学习的。
　　总之，新金属乐队很少有宗教题材或史诗传奇类的，应该说其思想更贴近硬核或是朋克。其中有积极的也有消极的，有偏激的也有冷静的，有愤怒的也有中庸的，但体现的都是关于社会和人的思考。也因为新金属本身是种土生土长的美国文化，因此多半体现了现今美国青年的整个意识形态，许多东西也许要美国人自己才能深刻体会的，我们不必细究。
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音乐影响

　　新金属的十年统制重塑了金属乐版图，这是无可质疑的事实。新金属的影响是正面的还是负面的？这个问题争论也很大。我不想也不能给出一个绝对的答案——凡事都是有两面性的。新金属在音乐上给重金属留下难以磨灭的印记，最简单的手法写出最有感染力冲击力的音乐,与传统金属之间的联系,好比于浪漫主义于巴洛克风格.之后新乐队在音乐上深深受到具有实验色彩的新金属的影响,有Chimaira这样猛烈的RIFF,有Between Buried and Me这样怪异的曲式结构,有All That Remains这样结合了Post Grunge的旋律,有Drop Dead Gorgeous这样扭曲阴美的呻吟.总之新乐队继承了太多新金属的精华.
　　很多人认为新金属相比于激流,死亡等流派对金属的贡献要小的多.实际上在编曲的难度上,新金属无疑是最有难度的.随便写出不和谐和弦并借此衍生出快速爬格子一般的连拨或者无目的的高速击鼓以及无病呻吟的各种吼叫,这样简单粗糙的音乐往往能被人们追捧,真正考验乐手对乐器驾驭能力而非简单弹奏能力的新金属却反而受到鄙视,这是一种奇怪的现象.而往往抨击新金属的人是丝毫不懂乐器的.未来的某一天,也许所有喜欢金属音乐不再是年轻人炫耀的资本,但是新金属,必定还会有他自己的乐迷,如同曾经被人不耻的歌剧一样,永远的留在世界音乐历史上.
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引发的思考

　　在写这篇文章的过程中，自己也思考了很多问题，关于商业、关于潮流等等。于是把这些由新金属引发的思考也写出来和大家分享，希望大家至少能够不嗤之以鼻。
1． 关于潮流
　　音乐潮流总是来了又去，潮流虽然被好多人唾弃，但任何事物的发展都是伴随着潮流的。当初宣称反对潮流的挪威的Mayhem、Darkthrone等狂徒们怎能想到自己也正在制造一股潮流——黑暗金属的潮流。当然盲目跟随潮流是愚蠢的，对潮流应该有冷静的态度。新金属的潮流绝对不是一两个乐队就可以掀起的，这是在具体的社会、时代背景下的产物，所谓时事造英雄，这就是我上面为什么说是“不可避免”。由此看来，对新金属浪潮的偏激看法是不必要的——因为它很大程度上具有必然性。而今的重金属回潮也不是几个新浪潮乐队就能掀起的。总之音乐的发展总是伴随着潮流的，而潮流多半是必然的，我们固然敬佩那些丝毫不为潮流所动的伟大乐队，但对潮流也不用过于鄙视和拒绝。至于那些老乐队追随潮流而改变路线，其实也不为过——有多少人是先听了所谓“垃圾”的St. Anger才去听Master of Puppets的？你说是吧？
2． 关于商业
　　商业化可耻吗？商业了就不是音乐了吗？当然不见得。我想说：没有绝对的商业，也没有绝对的不商业。那些标榜自己反商业的乐队，唱片不也要卖钱吗？演唱会不也要卖票吗？他不也要钱来维持生计吗？要是彻底脱离了商业行为，那不就和老头老太们自己在花园里扭扭秧歌一样了吗？商业化不是罪，只要没到为了钱彻底放弃音乐（这样的艺人虽然有但我相信并不多）就不为过。当初的那些金属前辈们，比如Black Sabbath、Judas Priest等，他们的歌曲要是不能打榜，唱片要是卖不到百万，重金属能够被发扬光大吗？
3． 关于技术
　　好的演奏技术可以为音乐增色不少，但技术并不是音乐的全部。为什么有的乐队技术不差，但始终挣扎在二线？他们缺少的是一种灵气，一种感觉。何况有时过于繁复和技术化会让人感到厌倦。而新金属的走红正是因为80年代许多老乐队不断追求技术而走入了死胡同，新金属才凭藉其开放、简洁的构架而受到欢迎的。多数新金属乐队在技术上没有很高的层次，但我相信他们很多都是具备那种感觉的。音乐是用来表现想法的，而技术是用来表现音乐的，技术固然重要，但它不是评判音乐的唯一标准。单凭技术一点就全盘否认新金属，是否太绝对了呢？况且技术过硬的新金属乐队也是存在的。
4． 金属？非金属？
　　关于新金属是否是金属的问题，我不想争论，就好像有些人想把金属从摇滚里分裂出去一样——这是个多馀的问题。我只想说，你可以认为Linkin Park不是金属，但你不能否认Slipknot是金属，你不能因为个别乐队就把新金属从重金属中划分出去。何况是不是金属又有什么关系呢？重要的是好的音乐。
五． 装束
　　下面来说点轻松的东西。就如同长发和带钉皮衣标志着重金属、尸脸代表着黑暗金属一样，虽然各个新金属乐队虽然有着风格不同的装束，但总体上还是有一些共同特征的。发型方面，脏辫是相当流行的，几乎每个新金属乐队里都有成员留着或留过这种发型——从Korn到Slipknot，从Sevendust到Ill Nino……以至后来的许多NWOAHM乐队中也普遍流行这种发型，比如Shadows Fall。和脏辫一样流行的还有光头——一种永远不会过时的头型，不必多讨论。有的乐手也爱在胡子上花心思，通常把胡子编成辫子，Static-X的主唱是代表，现场时常甩动胡子，显然不如甩发那么惊天动地，多少显得有点滑稽。在脸上作文章的新金属乐队也不少，一种是带面具，典型是Slipknot和MushroomHead，但究竟最初是谁的创意，两个乐队间也因此有过口角。还有就是画油彩，比如Mudvayne的初期造型就相当夸张。穿刺和穿环也是新金属乐手非常热中的，普通的耳环、眉环、唇环自不在话下，这方面最牛的是Disturbed的主唱，我至今仍想不通他怎么喝水，不会漏吗？文身也是一大流行，绝大多数金属乐手都文身，不过文得最猛的还是新金属乐手。这方面首推Manson，浑身上下没放过任何一处空白……服装上，说唱金属乐队比较偏爱一身臃肿的Adidas衣裤，这也让Adidas成为新金属乐手的流行装束，象Korn等乐队都曾为这一品牌带言。还有不少乐队统一了着装，这又是以Slipknot和MushroomHead最为典型。不过总体上新金属乐手的装束是比较杂的，共同特点也就以上几个吧。
　　(其实这一部分可以当作调剂，可有可无。真正应该写的是新金属的器材。不过个人对这方面了解不多。倒是重型18期有篇很好的关于新金属的吉他的文章，大家可以找来看看)
六． 佳作
　　最后一块是我心目中最优秀的新金属唱片推荐，个人认为列出的专辑都是水平较高并且有一定代表性的。喜欢新金属的朋友不要错过其中任何一张，而那些对新金属有偏见的朋友，希望你能不带任何偏见地认真聆听一下，相信裏面至少有一两张会让你喜欢的——起码不会让你生厌。这些唱片中有几张能够成为重金属发展史上里程碑式的作品、在将来和Painkiller、The Number of the Beast等这样的唱片相提并论呢？我们等著瞧吧。
　　(hed) pe：(hed) pe（1997）
　　(hed) pe：Only in Amerika（2004）
　　(hed) pe：Broke（2000）
　　3rd Strike：Lost Angel（2002）
　　Adema：Adema（2001）
　　American Head Charge：The War of Art（2001）
　　Apartment 26：Hallucinating（2000）
　　Clawfinger：Deaf Dumb Blind（1994）
　　Coal Chamber：Coal Chamber（1997）
　　Coal Chamber：Chamber Music（1999）
　　Cold：Cold（1997）
　　Deftones：Adrenaline（1995）
　　Disturbed：The Sickness（2000）
　　Down the Sun：Down the Sun（2002）
　　Drowning Pool：Sinner（2001）
　　Dry Kill Logic：The Darker Side of Nonsense（2001）
　　Enhancer：Street Trash（2003）
　　Godhead：2000 Years of Human Error（2001）
　　Godsmack：Faceless（2003）
　　Ill Nino：Confession（2003）
　　Kittie：Oracle（2001）
　　Korn：Korn（1994）
　　Korn：Issues（1999）
　　Limb Bizkit：Three doller bill，yall（1997）
　　Limb Bizkit：Significant Other（1999）
　　Limb Bizkit：Chocolate Starfish And The Hot Dog Flavored Water（2000）
　　Marilyn Manson&Spooky Kids：Portrait of an American Family（1994）
　　Mudvayne：L.D.50（2000）
　　Mudvayne：The End of all Things to Come（2002）
　　Murderdolls：Beyond the Valley of Murderdolls（2002）
　　MushroomHead：XX（2001）
　　Nothingface：Skeletons（2003）
　　Papa Roach：Infest（2000）
　　P.O.D：The Fundamental Elements of Southtown（1999）
　　Powerman 5000：Tonight the Stars Revolt!（1999）
　　Rage Against The Machine：Rage Against The Machine（1992）
　　Pleymo：Episode 2: Medecine Cake（2002）
　　Sevendust：Animosity（2001）
　　Skindred：Babylon（2003）
　　Slipknot：Slipknot（1999）
　　Slipknot：Iowa（2001）
　　Slipknot：Vol. 3: The Subliminal Verses(2004)
　　Soil：Re.de.fine（2004）
　　Soulfly：Primitive（1999）
　　Soulfly：3（2002）
　　Soulfly：Prophecy（2004）
　　Spineshank：The Height of Callousness（2000）
　　Static-X：Wisconsin Death Trip（1999）
　　Stonesour：Stonesour（2002）
　　System of a Down：System of a Down（1998）
　　System of a Down：Toxicity（2001）
　　System of a Down：Mezmerize（2005）
　　Taproot：Gift（2000）
　　Ultraspank：Ultraspank（1998）
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新金属在中国

　　新金属的浪潮是全球性的，以美国为中心，蔓延到了英（Breed 77、Lostprophets等乐队）、法（Pleymo、Watcha等）等欧洲多国以至南非（Seether）。我们中国也被卷入了这场浪潮中。大概是98~99年打口将Korn、LB等带到了国内，又随着北京地下朋克圈的低迷，于是以夜叉为首的一批乐队就在地下掀起了说唱金属的浪潮。
　　夜叉是领头者，不能不提，他们最初是打着Pantera的旗号起家的，但实际上已经带有了很多说唱金属的气息；第二张专辑又被认为是模仿Korn，不过我个人认为并不太象，近来乐队竟然玩起了新浪潮而且水平不俗，变化之快让人瞠目。痛苦的信仰同样是代表，音乐上也是以冲力见长，不过我个人认为不如夜叉成熟，后来逐渐走上硬核之路。还有扭曲的机器也很不错，不少地方已经超过夜叉了，目前好像仍然坚持着说唱金属风格。另外还有T-9这支模仿RATM的痕迹很重的乐队。
　　国内的新金属除了以上几个说唱金属能成气候外，其他领域的就比较少了。数来数去也就是战斧算是Metalcore。不过战斧到是值得一听的，技术、氛围、旋律等方面水平都很高。刚刚发行了专辑的AK-47是国内少数工业金属乐队中最具代表性的，不过水平还有待提高。而象Post-Grunge、Alternative Metal领域几乎是空白的。另外有黑九月、液痒罐头、病蛹等乐队，不再赘述。
　　总之，国内的新金属还是种类比较单一，整体水平较低，哪不知还没有发展成熟，新金属早已成为了历史。可喜的是近几年出现了一些走新浪潮路线的新乐队，都是和国际接轨很紧的。比如刚刚发行了专辑军械所、新星颠覆M、Hollow等等，虽然不是新金属，不过也和新金属联系比较紧密吧。
　　1999年，在还没有被同一归纳成为一种成型风格的时候，新金属音乐就已经在摇滚乐界一枝独秀。上文提到的乐队相继发行专辑：包括“煤气室”的《室内乐》（Chamber Music）、“科恩”的《要点》（Issue）、“软饼干”的《重要的其它》（Significant Other）。新近冒出的一批乐队更是给新金属添加了热度：突出的包括“脱节”（Slipknot），一支因为不同的舞台化妆（同样的工业制服、面戴自制的万圣节面具）和公然犯傻（乐队9个人互称号码而不是名字，并把歌迷称作是“蛆”）而臭名昭着的乐团；“实弹”（Staind），一支自1995年就开始巡演的乐队，终于在1999年推出了令歌迷千呼万唤的专辑《官能失调》（Dysfunction）。而在2000年，当超霸团体“林肯公园”（Linkin Park）推出了他们混杂有金属、说唱、嘻哈，并加入了DJ打碟音色的首张专辑《混合理论》（Hybrid Theory）之后，“新金属”一词开始随着这些乐队而频频出现，并风卷全球。
　　自此之后，新金属音乐和乐队继续统治乐坛，并开始各自向更宽广的方面发展。“林肯公园”开始成为了主流巨星，他们在2003年刚刚发行的第二张专辑《流星圣殿》（Meteora），流行性更加增强；“盲音”乐队通过借鉴80年代摇滚乐队的音色，而扩展了新金属的理念边界；“实弹”乐队逐渐开始成为新金属乐界的“一哥”级团体：他们的首张专辑《官能失调》就在公告牌的“热探榜”上排名第一，第二张专辑《打破循环》（Break the Cycle）更是一举拿下了公告牌前200排名、加拿大专辑排名、互联网专辑排名的三榜冠军。
　　除了相似的音色之外，新金属乐队还乐于抱团进行巡回演出。在巡演过程中，新金属乐队巡演造就的全明星声势，经常会一夜之间就会吸引成千上万的新歌迷。他们还大力提携还没有什么名气的新乐队，提醒歌迷谁将成为日后的巨星。以其中最重要的巡演“家庭观念”（Family Values）为例，“实弹”、“软饼干”、“科恩”、“林肯公园”轮番上阵，从1998年开始，就用说唱、Techno、重金属的音色不断轰动着演出市场。“金属”（Metallica），重金属音乐界的巨星，同样在新金属的发展中起到了重要作用——盛情邀请“软饼干”、“盲音”、“林肯公园”以及“科恩”等乐团参与由他们发起的“夏季疗养”巡演。在此期间，“金属”乐队的乐迷也可以领略到各个新金属乐团的风采。“边走边唱”，是新金属乐队的不变信条，这也是为什么新金属乐队能够独霸乐坛的一个主要原因。
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21世纪年之后

　　慢慢回归到老式金属，演化为金属核等

哥特式音乐

早期的哥特式音乐代表有如苏可西与女妖（Siouxsie and the Banshees），包豪斯（Bauhaus）等等。它们充斥着沉郁厌世的情调。音乐往往冰冷刺骨，既带有精细的美感，但又同时在音域层面上大量使用偏离旋律线的不协调音，对于一切传统音乐极端的蔑视。在歌词与表演概念层面，展现着生命与爱欲的荒凉。从对现实状态的厌弃，进而追求心灵深渊的奇诡乐趣。在舞台上，她/他们以偏激的狂乱扮装出现，如苏可西略带虐待与被虐情调（SadoMasochistic）的“冰女王”神采，包豪斯的主唱彼特·墨非（Peter Murphy）把自己打扮成冶艳无常的双性吸血鬼。这种对性别的颠覆与反转，还表现在对神学（或恶魔学）概念的狂热执迷。在1981年成立的仁慈姐妹（The Sisters of Mercy），是几个爱好中世纪风格的男子对于音乐意识的反扼，一度被形容为“狂笑著注视罗马城烧成一堆瓦砾”的主唱爱特利奇（Andrew Eldritch）一语道破歌德摇滚  乐团的宗教立场——对于我们，犬儒精神就如同天主教徒的圣水一样。
　　早期的后朋克对于生命的诠释往往饱含着沮丧与绝望。例如快乐分裂（Joy Division）的主音歌手伊恩·柯蒂斯（Ian Curtis）于80年的自缢身亡。那些耗损生命而成的音符，成就了快乐分裂（JoyDivision）的不朽经典，见证着整个低调文化。他那套灰暗而孤离的人生观，隐藏着阴郁的遗传因子，将整个后朋克文化尽染成深灰与暗黑。八十年代，在迂落的音乐里构筑了一个悲观的年代，至少在英伦及欧陆地下文化的层面上来说如此。在当时的独立音乐圈里，趁势涌出一大批黑暗病态、风格邪异的乐队，他们的音乐源自于无尽的压抑，以及对生命的诅咒。如教会（The Mission），所有的夏娃（All about Eve）、列伏林之地（Fields of the Nephilem）、祭仪（The Cult）等等。这些被视为绝望、邪气、颓废的乐队/乐手，从朋克那种过激的破坏意识，反方向潜逃往一个内敛而黑暗的世界——这就是那个占据了摇滚乐大半个八十年代的低调音乐时空。哥特摇滚在英国地下音乐圈的形态与演进，正犹如一派邪教降临大地时伸出巨魔的手掌。它通过难以想象、天马行空的邪异素材来悦纳听众，这就不仅包括了在音乐领域圣灵齐放的空前创造力，也包括了在视觉造型上，所给予人们的前所未有的刺激视觉体验。中性化的身份造型，浓妆艳抹的打扮，这些并非新浪漫一族的专利。哥特仿佛是新浪漫的个性相反的孪生兄弟，是华美艳丽背后黑暗病态的一面。现在让我们去了解一下哥特音乐的改良风格和其他相关乐派.产生于比利时的EBM(Electronic Body Music)是一种电子化阴冷黑色的音乐。受德国Krautrock运动中Kraftwerk之类电子乐队的影响下产生的。
　　EBM创始乐队之一Front242以低限化的节拍，抑郁的声音和军国主义突击队的装束被大家认识。The Klinik，Insekt，Dive，Click Click，A Split Second还有后来的Suicide Commando都是BM的一些重要乐队。Dive和Klinik利用声纳噪音营造出一种冰冷的外太空气氛。Suicide Commando则融入了更多的舞曲化成分。类似的乐风在美国和加拿大被称为Industrial，象Front Line Assembly，Skinny Puppy等乐队。他们制造出的合成音乐和多层次的声音非常适合带上耳机去欣赏。Front Line Assembly的经典专辑Classical bumsare Caustic Grip(1990)和Tactical Neural Implant(1992),值得每个喜欢EMB的人去收藏。
德国
　　说到现在我们还没有谈到德国，那里可是现在哥特音乐的重镇。许多德国的乐队被惯以DARKWAVE的音乐标签。Project Pitchfork乐队是德国最早涉及到哥特音乐领域内，虽然他们的乐风有所改变，但一直算是一支流行化的组合。首张专辑《Dhyani》亦为经典，当然我们必须要知道Das Ich这个组合，他们的经典专辑是《Die Propheten》，专辑中的歌曲机构复杂歌词充满着智慧化。阴暗电子乐派代表团体Calvay Nada用德语和西班牙语交错演唱，他们最有特点的是主唱Brenal的低音，而歌词方面多涉及政治，社会之类的话题，从这方面看这支乐队在哥特音乐王国中显得与众不同。
　　总的来说由于浪漫主义情节，德国的大多数乐队是浪漫的歌曲和阴暗电子化相结合的产物。如今哥特范畴内的音乐越来越呈现出多元化的局面。例如阴暗民谣（darkfolk），这种乐风的代表是Current93,Deathin June,Sol Invictus还有Fire+Ice。早期的C93作品比较实验性难以理解，之后David Tibet利用他个人化的思维开始向声学民谣的方向探索。C93的前身乐队Deathin June自从首张专辑Nada推出后颇受争议，他们甚至被指控为极端的右翼倾向。但DIJ给我们留下印象最深刻的还是异教的祭典式的音乐。如果想听这类音乐推荐给大家去找World Serpent，一个卓越的音乐厂牌，上面的提到的几支乐队均在其旗下推出过作品。对了，还有一支意大利的组合Ordo Equitum Solis也应该值得我们的关注。许多哥特乐队都有着某种中世纪的情节，他们将中世纪时期音乐和现代的创作手法相结合。德国有着许多这样的中世纪组合，音乐的创作者一般有着良好的古典音乐教育背景，知名的乐团包括Qntal，Estampie，Freiburger Spielleyt等。在意大利这种音乐更有影响，象Ataraxia，Camerata Mediolanense都做出了许多出色的音乐作品。这类组合不仅仅有哥特的听众群还吸引着部分古典音乐的欣赏者。而The Moonlay Hidden Beneath a Cloud和Rosa Crux的音乐中吸收了祭典音乐的成分。
　　当然许多乐队的风格是非常难以界定的，像意大利的Take Kirlian Camera，20年来乐队风格年年都有变化。而法国的情欲主义阴暗电子乐队Die FORM的音乐主题多涉及S/M（性虐待），他们每一部作品多给我们带来新的惊奇。另一支来自法国的乐队Collectiond 'Arnell Andrea的钢琴声非常有特点，成为自己的独特的标志。善于创作管弦乐的In the Nursery乐队的作品非常适合作为电影中的配乐。在北欧的瑞典，Cold Meat Industry这个厂牌通过多年的努力推出了很多独一无二的音乐作品。旗下的乐队风格多样，如血腥派实验乐队Brighter Death Now和Deutsch Nepal，氛围音乐组合Raisond 'Etre，新古典主义的The Protagonist，天音组合Arcana等。说到天音如果想更好的了解建议去听一听like Love is Colder than Death,Black Tape for a Blue Girl，Stoa这些代表乐队。
　　而在哥特音乐的文本中，我们可以细味到一些涉及宗教、性爱、死亡、绝望、基督以至匪夷所思的虚无论语句，这些都是哥特音乐不可或缺的一环，Gothic Rock，这覆盖在影像模糊、虚无飘渺的外在躯壳之下的音乐，一切都是那么神秘。哥特摇滚的风格，可说是继承自Joy Division的遗传，尤其是那种把贝司提升至主奏位置的癖好，直至今日的后哥特朝代仍无法完全摆脱。那些抑压着低沉声线或扭曲的人声，沉重如郁结般的贝司，迷幻的吉它声，充满控诉力的鼓击，偶尔发出鬼哭神号般的嘶叫，如同石磨般沉重或是狂野得分崩离析的曲式，还有一张张Rock Music苍白的面孔∶当你对生命感到茫然无助时，你会想到在它背后究竟隐藏着什么吗？是心灵的孤立无援？是死亡阴影的笼罩？还是人世间的悲剧？Gothic Rock，是建筑于无意识的抽象表达而多于刻意性的音乐颠覆行为。如同面临一季暗晦的寒冬气候，我们被哥特文化侵占，在非人化的后工业现代社会里面，追逐着一种活着死亡的体验。同样存在着Barry的音乐先觉，除一贯本色的Rock Music在那个悲观的八十年代里，Gothic这种栖身于主流文化的阴影里的次文化，其影响力早已越过音乐的界限，成为一种生活方式，一种生活的态度，一个哥特信徒所追求的黑色国度。度过模糊的九十年代，下个世纪今天的哥特摇滚已被解构得支离破碎、残缺不全，The Sisters Of Mercy，The Mission这些昔日的哥特守护神也早已离弃了他们的信徒。但是在今日的阴暗乐派(Dark-Wave)运动中，在死亡民谣(Death Folk)、后工业噪音(Post-Industrial)、阴暗氛围音乐(Dark Ambient)以至新古典(Neo-Classical)这些形式主义的风格外壳之下，我们仍然欣喜地发现Gothic依然是这些地下文化中最具生命力和影响力的遗传基因。在这场突破和冲决了情欲与性别的革命中，歌德次文化追求所谓的理想典范“阴阳同体”（hermaphrodite）成为了砸碎禁锢的美丽武器。看吧，以往被视为妖魔的异类勇敢地摆脱了苍白的天堂，绞碎天使的面孔，抵达永远无情的欲望。　
　　在20世纪的后半期侵入非主流音乐的大花园，成为另类音乐中极为殊异的一个支脉。如果你熟悉新音乐历史脉络的话，就会知道大约从70年代末到80年代，一些乐队分别顶著“后酷朋克（Post Punk Cool）”、“新古典（Neo-Classical）”或者是“新嬉皮（Neo-Hippies）”的招牌，并逐渐混融成日后的哥特摇滚乐派。
　　如果说早期的PostPunkCool对生命的诠释是沮丧与绝望（比如Ian Curtis——Joy Division的主唱——的自杀），那么“仁慈姐妹”以及同道的乐队比如“教会（The Mission）”、“全部的夏娃（All about Eve）”、“涅浮林之域（Fields of the Nephilem）”、“祭仪（The Cult）”等乐团所秉持的，可能是睥睨于现实中的种种烦俗，企图推翻假惺惺的教条，抽取反对与不满的精神，化为音乐的“反面传教（negative preach）”。在“教会”的专辑《上帝自己的药物》（God's Own Medicine）中，开宗明义的第一首歌“荒原”（Wasteland）就嘲讽地唱出“我还是相信上帝，但是上帝已经不信仰我了。”这等堪称冒渎的宣言，呈现出骇人的事实：原来长久以来，神与人的权力结构恰如性爱结构的主体与客体。在这张专集中，反复推敲着在推翻信仰的同时，死亡不再是父神用以胁迫的道具，反而是叛徒的情色乌托邦。如同在《爱我爱到死亡》（Love Me to Death）一曲，美妙地铺陈情欲的高峰不被僵硬的“主控-屈从”（Dominance-submission）关系所固置；也就是说，在死亡（旷缺）的领域，致命的阴性激情并不受到掌管与压制，发展出自己的美学。
初期的哥特音乐
　　一场新的哥特运动在整个80年代影响越来越大.相对70年代后期产生的朋克是判逆式的没有遵从的另类文化,也许新哥特运动的产生是对朋克的一种回映.哥特运动反对狭义的道德,性观念,和传统的宗教信仰.音乐反映人性中黑色阴暗面以及对死亡独特的迷恋.音乐抒缓而强劲的声音经常表现在抑郁,阴沉,甚至病态.
　　新哥特运动与10世纪的浪漫主义有着明显的关联,抒情诗性的,死亡的主题,对毁灭和黑暗的探寻是哥特艺术家的共同表现方式.音乐上,一些流派尽管加进了舞曲节拍和电子音乐元素,但仍以小和弦,缓慢的节奏表现出明显的怪诞和抑制机构特性.视觉上,哥特艺术家看上去喜欢强化一种死亡式的审美,苍白的面孔,黑色的长服,维多利亚时代的时尚(如有绉饰边的衬衣),中世纪的废墟和哥特式的建筑.
　　很难具体确定哥特音乐产生的时间,70年代末期一些新的组合,乐队的声音或外形开始存在某种程度上黑色的成分.象The Cure, Siouxsie and the Banshees, The dreamend, Adam & the Ants, Ultravox, Killing Joke, The Sound, the Comsat Angels 还有 Joy Division.他们的新浪潮和dark pop music 的乐风对后来的哥特音乐产生有着非常大的影响.也许第一首真正的哥特圣歌是Bauhaus的Bela Lugosi's dead.
　　最早英国流行哥特乐队是UK Decay(现在已经没什么人知道了),80年代中期一些乐队象The Sisters of Mercy, The Mission和Fields of the Nephilim取得了相对的成功,他们的哥特摇滚乐和外形成为哥特的标准形式,成为许多后来组合的模仿对象,这种情况特别是在英国.这一时期非常优秀的乐队还有And Also The Tree,Xmal Deuschland,Love Like Blood等.
　　整个80年代老式的哥特乐风占据着主导的地位,而一些乐队探索着新的声音,并不段摸索着新的音乐路线,最好的例子就是Dead can Dance,在他们典型哥特式第一张同名专辑后音乐从中世纪和东方乐曲中吸收元素,风格融入了不少的世界音乐成分.之后的几年DCD获得了更多的认可,遗憾的是最近乐队已经解体.The Cocteau Twins和DCD相同是来自4AD公司的组合,是4AD低调迷幻乐风的代表.
　　英国不是唯一出产黑色音乐的地方,来自美国的The Swans 早期涉足与先锋乐派(avant-garde)领域,创作出了几张伟大的专辑象like Children of God, White Light from The Mouth of Infinity 还有 The Burning World.另一支传奇性的乐队Christian Death也许是被许多人认为是美国最著名的哥特乐队了,他们不断的做出一些有争议的专辑,最值得推荐的是Only Theatre of Pain 和 Catastrophe Ballet这两张.此外象Faith & the Muse,London after Midnight也是来自美国的优秀哥特组合.
哥特音乐的发展
　　现在让我们去了解一下哥特音乐的改良风格和其他相关乐派.产生与比利时的EBM(Electronic Body Music )是一种电子化阴冷黑色的音乐。受德国KRAUTROCK运动中Kraftwerk之类电子乐队的影响下产生的。EBM创始乐队之一Front 242一低限化的节拍，抑郁的声音和军国主义突击队是的装束被大家认识。The Klinik, Insekt, Dive, Click Click, A Split Second 还有后来的Suicide Commando都是BM的一些重要乐队。 Dive和Klinik利用声纳噪音营造出一种冰冷的外太空气氛。 Suicide Commando则融入了更多的舞曲化成分。类似的乐风在美国和加拿大被称为Industrial，象Front Line Assembly ，Skinny Puppy 等乐队。他们制造查的合成音乐和多层次的声音非常适合带上耳机去欣赏。 Front Line Assembly的经典专辑Classic albums are Caustic Grip(1990) and Tactical Neural Implant (1992),值得每个喜欢EMB的人去收藏。
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电影流派

《历代的巫术》
　　早在1921年，一位名叫克里斯滕森的瑞典人就拍出了一部名为《历代的巫术》的影片。当时的电影刚刚诞生不久，还处在幼稚期，完整的有故事情节的影片还是凤毛麟角，电影特技也是简单粗糙，所以克里斯滕森采用了纪录片的形式，为我们在银幕上复现了一些有关“巫术”的影像资料。说是纪录片，但其中的镜头基本上是摆拍的，以我们今天的眼光来看，倒更像是一部专题片。但不管怎么说，这是哥特文化第一次融入到电影艺术的表达领域里，异教、死亡、巫术等阴暗面元素第一次成为了电影的表现主题，从这个意义上说，这是一部不折不扣的哥特电影。由于影片的主题过于超前，《历代的巫术》遭禁映达数十年之久，到二战以后才被解禁。值得玩味的是，历史上的哥特民族可能也正是来自于瑞典所在的斯堪地纳维亚地区，相隔千年之后，也正是在这片土地上诞生了人类第一部哥特电影。
《吸血鬼诺斯费拉杜》
　　不过第一部有影响的哥特电影却是来自德国，在《历代的巫术》诞生一年之后，德国导演茂瑙拍摄了电影《吸血鬼诺斯费拉杜》，自此，大名鼎鼎的吸血鬼正式出现在了大银幕上。事实上，影片中的主人公正是那位爱尔兰作家斯托克笔下的臭名昭著的德古拉伯爵，只是为了避免版权纠纷，茂瑙才给它改了个名字，不过此举并没有起到预期的效果，影片上映后，版权方面就一直麻烦不断，直到现在也没有一个尘埃落定的说法。不过，影片本身确实是非常成功，甫一上映就立刻引起了轰动，茂瑙也凭借此片奠定了自己大师级导演的地位。《吸血鬼诺斯费拉杜》也成为了人类电影史上第一部里程碑式的哥特电影。值得一提的是，当时的德国影坛，正是表现主义电影处于统治地位的阶段，而除了《吸血鬼诺斯费拉杜》以外，另一部表现主义电影《泥人哥连》，也是一部很出色的哥特电影。只不过由于《吸血鬼诺斯费拉杜》的光芒过于耀眼，以致《泥人哥连》几乎都被人遗忘了。
　　《吸血鬼诺斯费拉杜》的巨大影响力很快波及到了大洋彼岸，这便是影片《吸血狂魔》。该片是世界上第一部有声哥特电影，上映后同样是好评如潮，取得了意想不到的巨大成功。尤其是本片的主演贝拉·卢戈西，他所刻画的吸血鬼形象是如此的深入人心，以致于在他死后多年，还有人坚信他本人就是一个真正的吸血鬼。
　　方兴未艾的哥特电影浪潮很快被二次世界大战的到来所打破，现实世界中的恐怖显然比银幕上的恐怖来得要可怕得多，在战争年代，人们在电影里需要的是心灵的慰藉、灵魂的抚慰，而不再是宣扬死亡、痛苦的哥特电影。
　　二战以后，随着经济、社会的复苏，电影产业也逐渐回暖，而哥特电影也再一次被纳入到了电影创作的轨道上。1958年，在德库拉小说诞生的地方——英国，这位大名鼎鼎的吸血鬼伯爵又一次出现在了大银幕上，这便是特雷西·菲舍尔所拍摄的影片《德古拉的噩梦》。该片塑造了一个崭新的吸血鬼形象，从这部影片开始，吸血鬼开始拥有又长又尖的獠牙，只要一张开嘴就会露出来。而主演克里斯托弗·李出色的表演更是出神入化：他五十来岁、高大英俊、两鬓花白、举止威严，神情兼具贵族的优雅和兽性，成为后来者模仿的样板。可以说，《德库拉的噩梦》奠定了至今为止哥特电影中吸血鬼形象的标准模式。
　　1959年，法国导演乔治斯·弗郎吉所拍摄的《无颜之眼》成为第一部没有吸血鬼形象的经典哥特电影。这部采用了黑白影像的电影，摄影术运用精湛、画面效果精致、情节离奇恐怖，让人过目难忘。特别是影片的诗意氛围，赋予了哥特电影另一种全新的气质，极大的丰富了哥特电影的表现手法。不过总的来说，从战后一直到80年代，哥特电影还处于发展期，势头较弱，数量也不多，有影响的作品更是凤毛麟角。除了上面所提及的那几部以外，就得算1979年赫尔佐格所翻拍的他的前辈茂瑙的那部成名作了。赫尔佐格号称“德国四大导演”之一，辅之以克劳斯·金斯基的出色演绎，赫尔佐格版的《吸血鬼诺斯费拉杜》在50年后取得了不亚于茂瑙版的成功。
　　在整个80年代，值得一提的哥特电影得算1983年好莱坞出品的《欲望》。这部由托尼·斯科特导演、凯瑟琳·德纳芙和苏珊·萨兰登主演的影片同样以吸血鬼为题材，但在这部影片中，吸血鬼角色不再是男性的专利，而是把女性吸血鬼作为了主角。在此后的影片中所出现的女性吸血鬼角色，大多离不开《欲望》中所塑造的那个模式。
　　直到上个世纪90年代，哥特电影才真正迎来了发展的黄金时期。在这个时期，哥特电影不仅在欧美，更在全世界掀起了  剪刀手爱德华一浪接一浪的高潮。1990年，一个名叫蒂姆·波顿的导演找到了一个名叫约翰尼·德普的演员，联袂为我们贡献了一部名为《剪刀手爱德华》的影片——自此，哥特电影复兴的大幕在好莱坞被彻底掀开了。作为一部当代里程碑式的哥特电影，《剪刀手爱德华》的意义是怎么评价也不为过的。这部影片没有吸血鬼，没有巫术，也没有宗教背景，但同样编织出了一个黑色的、讲述孤独、死亡和痛苦的精彩的哥特画卷……天才的蒂姆·波顿把古老的哥特文化和当下的时代背景天衣无缝的融合在了一起，给哥特题材注入了全新的生命力，从而在根本上拓展了哥特电影的题材范围。蒂姆·波顿也借此逐渐成为当代最伟大的哥特电影大师，他和约翰尼·德普这一对黄金搭档也配合得天衣无缝。1999年的《断头谷》就是二人再次合作的结晶，这一次波顿开始出人意料的直接以巫术为题材，为我们描述出世纪末一曲凄婉、仇怨、令人回味无穷的哥特哀歌。
　　《剪刀手爱德华》的成功坚定了好莱坞制片人们投资哥特电影的决心。1992年，大名鼎鼎的德库拉伯爵终于再一次粉墨登场了。这一回，掌镜的是好莱坞“教父”级导演科波拉。科波拉网罗了一大批好莱坞明星，大手笔的给我们讲述了一个横亘数世纪的爱情故事，这就是电影《惊情四百年》。《惊情四百年》以好莱坞的方法彻底重构了德库拉伯爵的故事，从而给流传了几百年的德库拉传说赋予了全新的意义。影片大气恢弘，特技眼花缭乱，加上好莱坞的宣传攻势，很快席卷了全球的电影市场。
　　90年代初的哥特电影浪潮并不仅止于此，越来越多的电影人都开始对哥特题材感兴趣。1994年，爱尔兰导演尼尔·乔丹振臂一呼，好莱坞三大帅哥便齐集麾下，为我们集体奉献了另一部堪称史诗的伟大哥特电影——《夜访吸血鬼》。对一般影迷来说，《夜访吸血鬼》最大的看点恐怕在于汤姆·克鲁斯、布拉德·皮特和安东尼奥·班德拉斯的联袂演出了，但影片本身并不逊色，绝对可以称得上是吸血鬼题材的集大成者了。影片的时间跨度达数百年之久，而且地域也横跨欧美两大洲，向我们全景式的展现了一个与人类社会并存的吸血鬼世界，并别出心裁的以吸血鬼的视角描述出了它们自己的心路历程。《夜访吸血鬼》是如此的成功，以致于我们甚至可以断言，吸血鬼的故事就此可以画上一个句号了，在此后20、30年乃至更长的时间里，也不会有超过他们的同类型电影了。
　　在吸血鬼电影大获成功的同时，另一部名为《乌鸦》的电影闯入了哥特影迷们的视野。相对于好莱坞主流大制作而言，《乌鸦》显得更独立、更另类、也更cult一些。这是一个有关灵魂转世和复仇的爱伦·坡式的哥特故事，诡异的巫术气质贯穿全片，影片的摄影、化妆等等细节也无一不渗透出哥特的氛围，例如自始至终的阴暗场景，例如演员脸上涂抹的白色油彩……《乌鸦》对哥特文化淋漓尽致的诠释甚至为它赢得了“哥特教科书”的美誉，对一个死忠的哥特影迷来说，只有《乌鸦》是最哥特的，也只有《乌鸦》足够哥特。当然，《乌鸦》的成功也使其续集的拍摄很快提上了议事日程，但它的三部续集只有1996年的《乌鸦2：天使之城》算得上是成功的，后面两部《乌鸦3: 鸦魔战士》和《乌鸦4: 邪恶祈祷》就能说是差强人意，一部不如一部了。
　　对哥特电影来说，1994年确实是值得纪念的一年。除了《夜访吸血鬼》和《乌鸦》以外，另一部哥特电影《人狼生死恋》也是在这一年首登大银幕。本片是关于哥特题材中另一个经典形象——“人狼”的抗鼎之作。在影响力和艺术成就两方面，《人狼生死恋》都超越了以往所有同类题材的影片，可以说，是《人狼生死恋》的成功使人狼的形象真正成为人类电影艺术长廊中的一个典型形象——不过很显然，相较于它的另一位“哥特兄弟”吸血鬼来说，人狼在电影世界里的成功的确是有些姗姗来迟了。
　　除了好莱坞，1994年的意大利电影《魔诫坟场》同样是哥特电影的杰出代表。这部影片在哥特文化中融入了意大利人所特有的幽默感，令人耳目一新。
　　随着世纪末的到来，哥特电影的来势依旧凶猛。在1999年，除了《断头谷》以外。另一部古装哥特片《十三勇士》同样值得称道，这部影片以古代斯堪地纳维亚文化为背景，洋溢着浓郁的异教色彩，加之改编于当地关于食人部族传说的故事，从头到尾都散发出一股浓郁的哥特风味。紧接着，2000年，著名的哥特影星约翰尼·德普与老导演罗曼·波兰斯基合作，打造出了影片《第九道门》。该片以宗教内容为背景，直接讲述了一个与上帝、撒旦有关的哥特故事，加之悬疑、惊悚的气氛，倒是颇得昔日表现主义电影的精髓，与《泥人哥连》可谓是一脉相承。
　　时光进入21世纪，哥特电影已在全世界遍地开花。一向以艺术气息浓厚著称的法国人也没有放过哥特电影的创作。2001年，一部名为《狼族盟约》的法国电影让全世界的哥特影迷都惊喜不已。该片以法国乡间关于吃人巨兽的真实传说为蓝本，糅合了悬疑、巫术、惊悚、异域等多重色彩，精致而又细腻的在银幕上为我们还原了一个以哥特文化为背景的引人入胜的精彩故事。两年之后的2003年，法国人则给哥特影迷们带来了更大的惊喜。这一年，法国人制作出了一部出色的3D动画片《盖娜》。《盖娜》是世界上第一部有广泛影响力的哥特动画长片，全片既吸收了好莱坞常用的科幻元素，又保留了法国人对哥特文化的理解。特别是影片中邪恶外星生命体的形象，妖魅、高贵、危险、黑暗，符合哥特文化中一贯的典型形象的特征。在该片中，邪恶的外星生命以植物汁液为食，强迫人们冒着生命危险为其采集，实际上这里的植物汁液正应对着传统哥特文化中的人类鲜血。此外，外星人的统治是通过巫师、祭祀对人们的精神控制来实现的，可以理解为是该片的创作者依托科幻背景对宗教内容的一次全新演绎，反映了创作者们对宗教传统的独特反思，而这种反思，正是承袭了哥特文化中的异教传统。
　　时至今日，史诗性的哥特电影浪潮已经过去，但哥特电影的题材越来越广泛，同时，哥特电影也开始向传统的类型片靠拢，逐渐融合了其它传统类型片的特点，使得观众们接受起来更加容易。2003年的美国影片《吸血鬼女王》就是个中代表。这是一部以经典吸血鬼题材为主题的电影，但在这部影片中，融合进了街头文化、黑人文化的特色，吸血鬼也摆脱了以往白人男性贵族的身份设置，而是以黑人女性的面貌示人。全片节奏明快，音乐强劲，可以说，这是一个黑人街头版的吸血鬼故事。此外，2003年的《黑夜传说》和2004年的《范·海辛》则反映了哥特电影的最新发展趋势。这两部影片都结合了好莱坞惯用的动作片特点，极尽动作、打斗之能事，如果去掉其中的哥特背景，则是不折不扣的动作片。而且，两部影片都以哥特文化中最经典的两大传统形象——吸血鬼和人狼为主角，在银幕上让二者大打出手。《黑夜传说》讲述了人狼和吸血鬼相爱的哥特版的罗密欧与朱丽叶的故事，《范·海辛》则以传统的德库拉故事为母题，把其中的吸血鬼克星范·海辛博士直接变成了人狼，倒也别有一番趣味。
　　2007年圣诞节梦工厂和华纳兄弟公司出品了由鬼才导演蒂姆·波顿、好莱坞巨星约翰尼·德普和波顿的妻子海伦娜·伯翰·卡特合作的《理发师陶德》（Sweeney Todd——The demon barber of Fleet Street)。这部影片可谓是哥特中的哥特之作。苍白的面孔、永不  理发师陶德忘记，永不原谅的仇恨、欺骗都在优雅的舞蹈和甜美的歌声中酝酿，喷溅的鲜血和矢志不渝的爱情共舞。当仇恨熄灭的一刻，斯维尼·陶德发现自己失去了一切，甘心地被复仇的孩子杀死，而他的仇恨也继承到了这个孩子的身上。影片融合了大量哥特元素，痛苦、仇恨、血腥、优雅，颇耐人寻味。
　　蒂姆·波顿和约翰尼·德普的组合成为哥特电影的代表 ，蒂姆·波顿指导的两部动画片《圣诞夜惊魂》和《僵尸新娘》也颇具哥特风格。
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哥特乐队

突出特征
　　1、此乐队的音乐气氛怪诞且超现实。
　　2、此乐队的歌词包含哥特主题。
　　3、乐队成员的外表十分哥特化，一水儿黑。
　　4、乐队自称哥特乐队，和其他哥特乐队一起演出，并出现在哥特合辑当中。
　　5、来自于四大哥特唱片公司Cleopatra、Projekt、Tess、Anubis的乐队。
音乐简述
　　哥特音乐是70年代末到80年代中期的后朋克运动的一个分支。它形成于地下，表现了摇滚最黑暗和阴沉的一面。哥特乐队也以戏剧化的服装和它的追随者(称为Goths)而闻名。音质上，哥特采取了阴冷的合成器效果，加工了前朋克的吉他声音使它们建造一种不祥之兆、悲伤的感觉，通常是很壮观的音响背景。
　　详细信息参见哥特音乐百度百科。
部分哥特乐队目录
　　Lacrimosa（以泪洗面）
　　Theatre of Tragedy（悲情剧院）
　　Within temptation（诱惑本质）
　　Siouxsie and the Banshees（苏克西与女妖）
　　Evanescence（伊凡塞斯）
　　Marilyn Manson（玛丽莲·曼森）
　　Nightwish（夜愿）

朋克

朋克(Punk)，又译为庞克。是最原始的摇滚乐－－由一个简单悦耳的主旋律和三个和弦组成。诞生于七十年代中期，一种源于六十年代车库摇滚和前朋克摇滚的简单摇滚乐。朋克乐队朋克音乐不太讲究音乐技巧，更加倾向于思想解放和反主流的尖锐立场，这种初衷在当时特定的历史背景下在英美两国都得到了积极效仿，最终形成了朋克运动。
基本信息

　　  ture——PUNK尽管朋克乐队大多惊人地相似，作品也过于单调，但许多著名的朋克乐队都有自己的显著个性特点，比如the Ramones的泡泡糖流行乐、the Sex Pistols的Face(面容)式的强力和弦、Buzz cocks(嗡嗡鸡)流行感觉、the Clash(冲撞)的雷鬼元素、Wire(电线)的艺术试验特色等。此后朋克逐渐过渡成后朋克、新浪潮、hardcore等风格，在八十年代中期，朋克运动整体陷入低潮。hardcore朋克、前朋克、NewWave(新浪潮)、PostPunk(后朋克)、Synth-Pop(合成器流行乐)、Synth-Pop、PowerPop(强力流行乐)、NoWave(无浪潮)、PunkRevival(朋克复兴)等等。英国评论家Jon Savage写道，历史是由那些说“不”的人的创造的，而在1976年再没比朋克摇滚音乐的“不”更大的声音了。从开始，朋克就愤怒地站在了这种现象的的对立面。而且，象所有的摇滚种类 及其子类一样，朋克也很难说是一个完全新生的运动。Punk这个词的定义似乎不清晰，但它无所不在的重金属似的威力，无拒无束的自我表现、快乐完全的、清晰的并且总是不用经过审查的。打翻甚至包括打翻自己---朋克的精髓。朋克用简陋的音乐把他  朋克们露骨的叛逆行为提升到了哲学层次，在主观能动性和否定之否定的理论下创造了一种扭曲的责任感和边缘文化现象。嬉皮士们带着"乌托邦"式温和美好的理想主义走到了尽头，而随后的新一代则走向了截然相反的极端与其祈祷上帝，不如让上帝屈服。今天人们提到更多的是朋克摇滚的内在思想，于是他们说，"焦点访谈是朋克、尼采是朋克、鲁迅是朋克、频频死机的电脑是朋克......"扯远了，但是无论如何，朋克一直生活我们的世界里，就像我们的影子，永远如影随形。摇滚乐是在自我利用的错误意识压迫下的腐化情感，而朋克是美学上可以被认可但政治上注定失败的自相矛盾。 它独特的尝试革命性地影响了美式音乐和英式音乐的风格。朋克音乐在美国一直低调地存在，最终在80年代孕育了硬核摇滚和独立摇滚概念。而在英国，朋克摇滚则成为大众的宠儿。英国不是朋克摇滚的诞生地，它依旧是朋克音乐盛行和产生文化碰撞的地方，紧紧把持住其与美国在表达愤怒和叛逆上的不同思想。
　　朋克被誉为“英国朋克革命急先锋”的“性手枪”乐队。  “性手枪”乐队紧随其后的还有：碰撞、诅咒、洛克西、亵渎神灵等等。他们的音乐风格可能不大一样，但音乐的特点却同出一辙，那就是：反叛、反叛、再反叛！反叛传统、反叛制度、反叛日渐枯燥毫无激情和意义的生活。他们的每一个人身上都带有一种强烈的革命意识，事实上，他们的目的就是要在七、八十年代平庸的欧洲大陆掀起一场深入生活的各个角落的大革命，以便在人类通向未来的旅途上添上些色彩。 朋克音乐家们的创作往往直指人类的苟且，以挑战一切既成的规则。他们用简单的和弦，表达简单的情感，用粗俗明了的语言，诉说人性的美丑。他们歌颂大麻，也歌颂上帝；他们崇尚乱交，也呼喊着要社会关注那些单亲的孩子；他们诅咒战争，却在生活中滥用暴力；他们生活靡乱，但对未来充满向往，他们在颠覆旧有的糜费文化同时也创造新的糜费。总之，同文学上的“垮掉的一代”、美术上的“ 达达主义”一样，他们代表着人类发展方向的一种可能性和多种可选择性，是人类多重矛盾集于一身的直接反映。
　　继而，朋克文化从舞台走向生活，他们开始在表演以外的各个层面表现他们彻底革命的决心：穿上磨出窟窿、画满骷髅和美女的牛仔装；男人们梳起酷毙了的鸡冠头，女人则把头发统统剃光，露出青色的头皮；鼻子上穿洞挂环；身上涂满靛蓝的荧光粉，似乎非得让你对他们侧目而视才满意，其实他们什么也不为，只是要以此表现他们的与众不同，表现他们的叛逆，表现他们对这个现实社会的不满罢了。如果你以为他们是为了表现自己是朋克而如此装扮，那就错了，用朋克的话来说：“我朋克所以我朋克，如果是为了让人认识到我是朋克，而把自己装扮得像朋克的话，那就一定不是真的朋克。”如今这个社会似乎什么都有假的，假冒名牌商品的；假冒警察罚款的；假冒瞎子要饭的，当然也有假冒朋克的。  莫西干头这些假的朋克们不断的自我标榜为朋克、自诩为斗士，“我只会三个和弦！”天知道是不是第四个和弦苦练未遂才这么说的，其实，他们骨子里不过是比俗人更加虚伪的俗人。 有假装朋克的俗人就有假装俗人的朋克，前者为满足欲望和虚荣而后者却为了满足内心和精神需要。
　　朋克的鸡冠头，也称“莫西干头”，源自北美地区的一个印第安部落，莫西干族人留的发型就是莫西干发型。
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朋克精神

　　英国的工业革命后，它的辉煌在二战中似乎散发暗淡。整个英国经济萧条，失业率日创新高。在这样一个背景下，一团废墟中出现了当时连垃圾都不如的闪耀的文化复兴。
　　它就是大家耳熟能详的朋克复兴。
　　最早的朋克，完完全全是贬义词。是上流社会，或者普通人对流氓的蔑称。就像中文的“混混”“小流氓”。这并没有错，因为掀起巨浪的青年正是这样一个群体，６０到７０年代的英国谁也想不到这样一群“ｐｕｎｋ”竟然创造了今天的奇迹，甚至连这群“先祖”们也想象不到。
　　由于经济暗淡无光，失业率上升。整个英国死气沉沉。毒品，酒精等也烧得极旺盛。在这种情况下，社会上的青年抱着极大的不满，用赤裸的方式表达自己内心的不满。与英国历来的绅士形象反差极大，毫无修饰，赤裸裸的脏话辱骂着疮口满布的社会。没有任何旋律的噪音，反社会，反人类，不讲文明，极端的因素融合成了最初的“朋克”。
　　最初的“朋克”并没有具有内在的内容，他只是一种发泄方式。就像你在商店买了个假货，你对着天大骂脏话等。没有任何含义。最早的“朋克”们站在大街上敲打着毫无节奏的鼓点，弹奏着噪音，嘴里喊叫着对社会，对政府的不满。每个人都厌恶地避开他们。就在这样一个环境下，最初的“朋克”们产生了与社会不两立的行为方式，想法很简单，既然你们不喜欢我们，那么我们就做我们，你们也不要想影响到我们。
　　而后这些噪音，这些赤裸裸背着英国历来绅士形象的行为，激发了越来越多对社会不满的人的情绪，有画画的，有玩音乐的，有服装的，有工人，有农民，一部分正常群体里面的人，在令人反感的社会基调下，抛开了虚伪的服饰，加入进了“朋克”的队伍。
　　他们的努力，给朋克付与了肉体。如果说“流氓”们制造朋克的灵魂，那么这些“正常”的人群，制造了朋克的血肉之躯。他们从噪音中，找到独特的演奏方式，并且大量引用了摇滚的鼓点，贝斯，电吉他的音乐成分。让朋克音乐从噪音，演变成让人振奋的歌曲。
　　他们的目的只有一个，让社会听到不满，赤裸裸的不满。而不是报纸新闻里那修了又补的社论。
　　随着朋克音乐的兴起，朋克思想已经被定位。它一点也不深奥，很简单。用我的话，用我想说的话，说我的不满。用我的行为，用我想做的行为，去引发人群的共鸣……
　　灵魂和肉体的出现，注定了他有外壳。
　　西装革履，这英国的象征让朋克思想影响下服装设计师大为喜爱。抛弃了传统的稳重感。民族风极强的的苏格兰格子上加入了红黑的强烈色彩。摇滚的元素下金属更是不可少。哥特的熏陶中惨淡的装也成为了朋克自己的元素。加入了更多的街头因素，废旧，烂，破，成为了朋克的外壳。
　　当这股风刮起来以后，甚至没人想象它能像龙卷风一样袭卷整个大不列颠。在最初的朋克思想基调下，更极端，更赤裸的也出现了。反。反对一切，反社会，反宗教，甚至反人类。雌雄同体，崇尚废物，毒品酒精。让朋克显得更加疯狂，荒诞。
　　朋克像一个废品堆里面的闪耀的钻石，激起了更多人的关注。朋克也像一个巨大的猛兽不断强大自己，吞噬金属元素，哥特元素，摇滚元素，一切可吞噬的。并在时间的洪水下发展至今。
　　如今的朋克已经不是真正的原始朋克。那无光的极端时期虽然已经被如今华丽的元素掩盖，出现了流行朋克，摇滚朋克，重金属朋克，哥特朋克，说唱朋克……
　　他们或许已经完全不一样，甚至互相不承认对方。
　　但无可否认的是，“用自己的声音说自己的话”这至高无上的“信条”洗礼着每一个朋克爱好者。
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起源发展

　　PUNK, 是兴起于1970年代的一种反当时的传统摇滚，商业摇滚的音乐力量。 PUNK在中国大陆译作"朋克"; 在台湾译作"庞克", 香港则叫作"崩"。 在西方, PUNK在字典里的解释是(俚语)小流氓、废物、妓女、娈童、低劣的等意思 (虽然现在它的意思有了一定的改变)。 从最早由Leg McNeil于1975年创立《PUNK》杂志,之后由Sex Pistols将此音乐形成潮流距今已有25年历史了。 要了解PUNK对世界及对室内空间的影响, 必先了解PUNK的意义及发展。
1970年代的英国
　　PUNK这一词是被英国人叫唤起来的, 当时战后的英国, 经济萧条, 失业率高, 而当时美国那边厢的荷里活电影发展得蓬勃刺热, 间接导致英国的电影业一落千丈; 在音乐事业方面, 英国亦是处于低迷状态, 美国正流行着progressive （激进的`前卫的。即激进摇滚）诗篇式的摇滚乐, 十多分钟的solo（,独奏(曲)的;独唱(曲)的）， 音乐十分注重技巧化的表达, 而当年的掘摇滚乐逐渐商业化起来, 成为主流的地面商品, 那时候progressive rock 的表演者有YES, GENESIS, KING CRIMSON…。 其实自60年代起, 摇滚乐逐渐步入了一种可悲的境地, 为了商业利益, 乐队及乐手越来越缺乏摇滚乐所应具有的敏感性(sensitive)及抗争性(complaint)。
势如破竹的"崩"力量
　　1975年Virgin 唱片公司所签下的label - "SEX PISTOLS"(大陆译名"性枪手")是PUNK的起点。他们发表的专辑"GOD SAVE THE QUEEN"的唱片封套大胆地把英女皇的嘴巴用"SEX PISTOLS"的封条封着。大胆的作风前无来者(及后新浪漫时期英国一队band -JAPAN亦曾在music video 内炸毁毛泽东的肖像), 他们完全的发泄心里一腔的愤恨, 无论对前途、社会都是一种控诉。 这就是PUNK的诞生。
　　一时之间, PUNK就势如破竹的成为一种狂潮, 因为PUNK是属于大众的文化, 可以极容易使人认同(基于当年英国社会问题), 人们得到宣泄的途径; 而香港当时的许冠杰一曲"半斤八两"亦是受PUNK的文化影响, 写尽打工仔的心态, 可见PUNK的世界性及兼容性(君不见"半斤八两"一碟卖得满堂红?)
三和弦的音乐
　　PUNK是物资与欲望、理想与环境的不均衡压缩之下的变形产物, 对物质的敏感是PUNK的重要理念。他们让你感到一种暴躁不安的侵略性与攻击性, 以及对事事都不易满足, 所以PUNK的音乐大都涉及性、药物、暴力等。
　　"三和弦论"的PUNK是一种极民主的摇滚三和弦, 是指歌曲只使用最简单的三个音构成的和弦（Triad Chord）组成, 完全没有修饰, 直接的、有力的、赤裸的表达他们想说的, PUNK亦没有长篇大论, 只有2-3分钟, 完完全全跟当年的主流相反。
　　因为PUNK的简单大众化, 使许多PUNK BAND在街头巷尾、车斗里、仓库里响起了他们第一个音符, 音乐已经再不是什么高深的学问, 因为PUNK有极强的可参与性, 使得PUNK音乐得以普及, 对摇滚乐有着积极的推动作用。
PUNK的演变
　　尽管PUNK是那么的负面, 那么的极端, 但它总算在世界艺术史上写下重要的一页。PUNK的出现, 不只在于音乐世界, 还影响了时装、平面图像、视像及室内装潢。一名作家Malcolm Mclarer说过"If punk was just about music this thing would have died years ago" "punk is the most important event in post-war Britain." PUNK亦可能给予意义含糊的新浪漫(POST- MODERNISM )一点诠释。
　　PUNK的演变之广, 我们可能没有察觉, 它已经变身成一种行为艺术, 一种思想, 甚至一种人生。 在平面设计方面, 由SEX PISTOLS的唱片封面引发起一种"并贴"的热潮, 当年的海报, 杂志等都以这种方式排版, 对往后的设计业影响巨大。
　　在时装设计方面, 大家一向可能误解那些PUNK头的人是PUNK友, 那是十分错! 其实PUNK的潮流, 在八十年代的青年人一定经历过, 当年梅艳芳的一身打扮都是受PUNK LOOK影响, 人们还以为梅小姐带领潮流, 其实她也是跟潮流! PUNK LOOK 往往是一种反叛型态, 80年代的男生gel起头发, 一条窄身牛裤, 加上一件不扣钮的白恤衫, 再戴上一个headphone连着腰间的walkman, 已经是一种PUNK LOOK。(可惜香港人只是学齐了人家的outlook,, 但headphone却听着中文流行曲!!)
“崩”空间
　　我们认识了PUNK的意义名历史后, 已经对它有了一定程度的了解, PUNK的意义除了前文所讲的, 还进入了室内空间。 PUNK除了反叛、不满之外, 它还创造了一种简洁而有力的艺术定义。 PUNK的三个和弦走天涯, 对室内设计者而言是一种启发。
　　"简洁""有力", 在现代的设计行业里听得不少, 但有没有想过这就是PUNK的理念? 以音乐来解释, PUNK是没有"装饰音", 只是用了三个major chord (正三和弦，即大调中的一、四、五级和弦，也就是主和弦、下属和弦、属和弦)而奏成, 没有高深的技艺, 将这些原理套入室内空间入面, 就是简洁地用点线面等原始的元素构成一个空间, 就像"LOFT"这种空内设计的模式, 都是PUNK的副产品; 比较战前至60年代的 ART DECO 甚至 ART & CRAFT时期的空内空间, 它们都充满修饰, 例如雕花的桌椅, 华丽的吊灯, 精美细致的地毯等, 这就像60年代那些PROGRESSIVE 诗篇摇滚乐, 充满装饰的音节, 用上成千上万的和弦, 十分注重技巧(skill)的表达。 这么的比较是否十分清晰?
　　PUNK的室内设计, 主要用最简单的form(形状), 如圆柱, 长方等原始的形状构成, 而用色都不会很多, 简单就是力量, 就是因为这样, PUNK INTERIOR就是不易使人察觉, 因为它没有强烈的设计元素, 人们常常以"简洁"一词充当挡箭牌, 但没有想过, "简洁"都美术史的其中一员, 更没有人想过, PUNK便是"简洁"的源头。 现代生活之中, 我们身边有很多以PUNK作为设计原素的品牌, 就如IKEA, 无印良品等等都是活生生的例子, 我们平日多留意身边的事物, 便会找到更多PUNK的足迹, 因为我们根本就是活在PUNK的时代。
　　朋克摇滚
　　朋克摇滚孕育了一场摇滚乐历史上的革命.这是一个漫长的从酝酿到爆发的过程,他实际上引出的是摇滚发展中的另一条线索,即所谓的"自己动手"和"独立"观念.这条线索尽管并没有对摇滚的生成产生多少影响,但对80,90年代甚至未来摇滚乐的走向具有巨大的引导作用.众所周知,摇滚乐是一种异常强调"个性"的音乐形式,但在朋克摇滚之前这种"个性"通常总是通过一种"代言人"－－摇滚明星表达出来的(在此之前地下音乐的社会影响较之主流势力远为逊色),70年代的商业化浪潮更加强化了这一点.无论是Bob Dylan 也好,John Lennon也好,他们之所以能够使自己鲜明的个性影响青年一代或者表现了青年一代的个性,首先不是因为他们有"个性",而是因为他们的明星身份,其后他们才能够通过自己用聪明才智和努力赢得的这一份"话语权"来表达自己的这种"个性"(无论是音乐上的,还是人格魅力上的).因此,在朋克摇滚出现之前摇滚乐的个性实际上是一种"明星的个性",或者"精英的个性"对于普通的爱乐者来说,他们始终摆脱不了"听者"或"接受者"的被动地位.但是这已经是一种进步了,这种"代言人"的产生毕竟是青年一代"民选"产生的,而并非是主流社会或者其他什么政治势力强加给他们的.当然,这些代言人之所以能够成为代言人,毕竟还是因为他们代表了青年一代自己的声音.这也许就是摇滚的反叛精神为音乐带来的第一次"民主"吧.
　　但朋克摇滚却不满足于这些,不满足于这种"集中制的民主",他们要将"革命"进行到底.首先他们要做的就是废黜明星们话语权的垄断,让所有热爱音乐的人"自己动手"创造音乐,表达自己;要让所有人都真正"独立"地去搞音乐,而不使传统,权威或者大公司成为无论音乐还是个我本身发展的羁绊.如果这种观点付诸与政治领域那无疑会导致无政府的混乱,但幸好它的实际影响了仅仅限于音乐(个人化),尽管也的确为原先"集中"的"过活儿"的唱片市场带来了少许的"无政府状态"和迷惘.这恐怕不能理解为是一种音乐意义上的进一步"民主"吧.摇滚乐中的个人主义和个性创造从这里开始进入了一个新的高度,并且为日后非主流运动在90年代的成功－－"非主流"音乐成为"主流",奠定了基础.
　　后来在早期朋克摇滚观念的激励下,出现了一大批的乐队和新风格,这便是新浪潮和后朋克运动.这些新形态的摇滚乐同朋克摇滚的联系更多的是在观念领域,其次才是音乐形式.他们大胆地展开了各种形式的艺术探索,附庸风雅也好,赶时髦也好,毕竟他们完成摇滚乐的"现代化".如果你会惊讶今天的摇滚同60,70年代或者50年代的摇滚有着如此不同的声音,那么一切故事从朋克开始.
朋克摇滚
　　朋克摇滚把摇滚乐带回了它的出发点－－"三个和弦"与简单的旋律.它只是将这一切演奏得比以往所有摇滚风格更加喧闹,快速和粗糙.尽管很早就已经有几只乐队展开了对那种后来被称为"朋克摇滚"的风格的探索－－包括60年代的车库摇滚乐手们和The Velvet Underground,The Stooger,The New York Dolls(他们被称为原始朋克),但直到70年代中期真正风格意义上的"朋克摇滚"才告形成.几乎同时在大西洋的两岸,年轻的乐队们开始放弃对主流硬摇滚的追求,剥去繁复的音响把它带回到最本质的层面.在纽约,第一支朋克乐队是The Ramones;而伦敦第一个朋克团队则当属于The Sex Pistols.尽管这些乐队有不同的发展历程和音乐风格:The Rmones更加快速,并且受到泡泡糖摇滚的影响;而The Sex Pistols则把The Faces乐队的叠句演奏得比"原版"更加草率和吵闹,但他们那种简单直接的方式在英国和美国却同时引发了音乐上的革命.
　　在美国,朋克保持着一种地下音乐的感觉,并最终导致了80年代核心朋克和独立摇滚的一幕;而在英国则是一种公开的现象,The Sex Pistols被认为是对康乐的英国政府忽然君主政体的一种"严肃的"恐吓",但更加重要的是,他们导致了无数新乐队的建立.这群乐队中的一些紧紧地围绕着The Sex Pistols绘下的蓝图,但更多的则找到了自己的声音,不论是The Buzzcocks尖锐的流行歌曲,还是The Clash赞美诗般,雷鬼乐(Reggae)影响的摇滚乐,抑或是Wire和Joy Division附庸风雅的艺术实验.很快,朋克分裂成后朋克(它比朋克乐更加实验化和附庸风雅)新浪潮(它更加流行音乐导向)和核心朋克(它仅仅是将朋克变的更加强硬,快速和粗糙).整个80年代,在英国和美国朋克都被看成同核心朋克是一回事儿.90年代初期,一个由Green Day和Rancid领导的朋克复兴主义浪潮出现在美国地下音乐中.这些朋克新浪潮乐手们因循着同早期朋克乐手相同的模式,不过他们趋向于将重金属的影响融合到音乐当中. fenger 制作
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朋克类别

原始朋克
　　原始朋克(Proto－Punk)又叫前朋克！前朋克发生在美国六十年代末七十年代初期，当时的一些乐队在简约主义的思绪下，开始尝试创作粗糙的摇滚乐。当时以the Velvet Underground为代表的这种乐队，并非有意识地扮演“重建摇滚乐，还摇滚乐质朴本质，推翻被美化的摇滚乐”这一好斗的角色，很显然，他们所做的一切只是出于一种下意识的反应。尽管他们的音乐并未全面带出日后朋克的影子，但至少他们已开始关注朋克文化的最深层精髓，只是不够反叛罢了，朋克最终发现并延伸了前朋克含糊的朴素精神，并把彻底的造反精神融入前朋克粗糙的音乐，创造出一种挑战社会、否定美化摇滚的时代强音，并被无数的青年接受，得以开创朋克王朝。
　　原始朋克是一群同60年代晚期和70年代初期的主流摇滚圈子格格不入的艺术家们组成的松散联盟.从地下丝绒(The Vel-vet Underground),的声音实验和假装文雅的民谣摇滚,到狂野,热衷于性内容的纽约妞(The New York Dolls),以及音乐诗人Patti smith,原始朋克涵盖了一大批不同的声音和风格,但他们都被一条共同的纽带联系到一起,那就是一种躁动,附庸风雅的力图颠覆,无视甚至改写摇滚乐现有规范的尝试.在这一过程中,这些艺术家的精神－－有时候反倒不总是音乐－－为日后70年代晚期的朋克革命拨下了种子.
　　现在有不少人总是将原始朋克和70年代中晚期出现的英美朋克混为一谈,认为他们是一种类型的音乐,都简单地一语蔽之曰"朋克",这种观点是有些欠妥的.尽管从音乐的表面看他们之间的确有不少相似之处,而且的确彼此之间也存在深厚的联系,再说这种联系只能使他们可以归入同一系统,而并不意味着他们就成了一种风格.这两者之间联系是有的,可差别也不小.且如上文所言,原始朋克和朋克之间的这种联系首先是一种精神气质上的,其次才是音乐形式上的.从精神气质上讲,对比原始朋克和后来的朋克音乐作品我们会清楚地看到在前者的身上更多的倾向于一种带有玩世不恭色彩的技术家气质,甚至是诗人气质;而后者身上更多表现出的则是一种充满碰撞性,破坏性,毁灭性和造反意识的反问化精神,有时甚至表现为嚣张的"流氓气焰"(尤其是The Sex Pistols).音乐上,前者带有更多实验性,先锋色彩,即兴的成分非常多;而后者则是回归早期摇滚乐本源的同时又毁灭它,音乐结构上也显得简单和直接得多.当然,朋克的重要性也正在于音乐从来没有这么简单和直接过,这也是它对传统摇滚观念带来的巨大冲击与震撼.因此这两者之间的文化价值取向和音乐审美取向是存在不小差异的.
硬核朋克
　　硬核朋克(HARDC0RE Punk，又译做核心朋克)　硬核朋  硬核朋克克是朋克摇滚中最强硬个极端的一个变种.属于极端摇滚。
　　硬核朋克诞生于七十年代末至八十年代初，它把朋克摇滚进一步引向极端－－更快、更噪、更僵硬的演奏，喊叫式的演唱、邋遢肮脏的录音效果（有时也包括专辑封套）。这种音乐极其之快速，旋律简单,录制质量水平不高,歌手简直就是在叫喊,叠句很简单,作品看起来(或者听起来)就像是在在什么人家的地下室里录制的.大多数这类乐队相互之间听起来都相似得令人难以置信,但也多少有一些带有与众不同的声音抛在身后,而仅仅保留其观念.
　　硬核朋克最初产生于美国,主要是一种美国的现象,并且主要集中在洛杉矶和纽约地区,但在美国的全境内还有一些小规模的零星分布,先后涌现了BlackFlag、HuskerDu、Descendents、MeatPuppets、DeadKennydys、BadBrains等著名的硬核乐队。
　　而硬核在整个领域的影响面之广，是很少有风格可以望其项背的。
　　硬核的发展甚至影响了整个八十年代的金属圈子，启发了整个黄金时代。当时几乎每种风格的发展都渗透着HardCore的影子，尽管有的很多喜欢技术派的人不愿意承认，可激流金属本身就是硬核与传统金属的结合产物。启发了激流金属的元老VENOM的，早期激流金属乐队EXODUS，甚至荷兰死亡金属元老THANATOS，美国老派死亡金属乐队Nunslaughter等一干早期乐队，都在接受采访时承认他们曾受到过硬核的影响。
　　甚至一些激流金属乐队干脆加强了自己编曲中的硬核成分，造就了Crossover这一激流金属中非常重要的风格。
　　代表乐队有D.R.I.、ATTITUDE、ADJUSTMENT、EXCEL、SIEGE、早期C.O.C.
　　Witches Hammer这样的加拿大地下硬核乐队也曾经坦言，80年代早期你能在加拿大罗斯湾看到身着Slayer服装的鸡冠头，激流金属演出现场也经常聚集一些喜欢硬核的人。因为有着同样疯狂的Riff。在现场音乐界限很模糊。而金属和硬核的分家直到1986年才开始。
　　.核心朋克继续出现在90年代,而且继续没有汇入主流圈子,可是一些受到"核心朋克美学"影响的乐队包括Nirvana为代表的一批新人成为90年代主要的摇滚明星,而早期的那些核心朋克乐手如Bob Mould,Henry Rollins,Mike Watt,Ian McKaye和Dinosaur Jr.乐队的J Mascis却转变成了另类音乐的偶像,核心朋克的不少观念和特点也被其他不少同时代的风格吸收和转化(如重金属和电子乐领域).另外,核心朋克还有一个更加快速,吵闹,非旋律性,有暴力倾向和白人至上主义倾向的分支－－"Oi".
　　硬核朋克虽然对以后众多的摇滚风格产生了深远的影响，但一直没有主流化，这种情况一直持续到了今天。
　　代表乐队:Converge,Hatebreed,Sick of It All,Black Flag,Dead Kennedys...
后朋克
　　1977年的朋克革命之后,有一大批的新乐队组建.他们都从朋克摇  后朋克滚独立自主的精神和朴实的声音中得到了灵感.为了避免复制The Sex Pistols的声音,不少这样的乐队进入了更加实验化的音乐领域,将朋克摇滚以外如Roxy Music,David Bowie和T.Rex的影响吸收了进来.结果导致了一由反主流文化精神和挑战公认摇滚传统的旗帜联系在一起的乐队群体的出现.很多像Joy Division 或The Cure这类乐队创造出了一种黑暗,阴冷的音乐氛围,他们同时使用了电子合成器和吉他两件主要乐器;另一些乐队则在音乐上选取了更加轻快一些的路线,尽管他们的歌词和声音之间显得有些脱节,但颠覆了传统流行摇滚的歌曲结构.后朋克最终发展成了80年代的非主流音乐.
　　代表乐队:Gang of Four、Siouxsie & the Banshees、Joy Division、The Cure
新浪潮（New Wave）
　　朋克摇滚流行的时间虽然很短（约1977-1980），有人却把它与普莱斯利、"披头士"并列，认为是摇滚乐历史上强调反叛精神的第三次"革命"。不管怎么说，朋克摇滚的表现的确太极端了。可能为了逃避别人的指责，使自己不那么被人讨厌，紧接着朋克，出现了摇滚乐的一个新名?新浪潮"。 新浪潮的概念是模糊的。它可以看作是从朋克派生出来的一种摇滚乐，但其目的是为了区别于那些朋克乐队，而且力求在材料和演奏方面更具专业性。于是到了70年代末，英国很多朋克乐队，包括"冲撞"都变成了新浪潮乐队。英国的新浪潮代表人物是埃尔维斯·科斯特洛（Elvis Costello，生于1955年）,他将多种风格与摇滚乐相结合,剔除了朋克中极端的成份,使音乐听起来不显得那么喧闹。同时他也为朋克时期英国的摇滚乐走向专业化道路（使其具有音乐性）作出了很大的贡献。新浪潮的概念在美国用得更为广泛，只要不是明显的朋克或带有先锋派特点的都称作新浪潮。其中，最重要的乐队是"传声头像"（Talking Heads），他们带领其他乐队从朋克走向新浪潮。 "传声头像"由领队戴维·伯恩（David Byrne，生于1952年）建立于1975年。他们避免奇装异服和舞台上的古怪行为，从现代的严肃音乐中吸取材料，产生一种更加复杂的风格，歌词经常强调个人与社会的矛盾冲突。专辑《永不熄灭》（Remain in Light，1980）采用一种来自"简约派"创作原则的摇滚乐风格。在器乐伴奏中，使用了非洲的复合节奏，持续不断的音型贯穿始终，听起来就像是巨大的机器稳定而连续地生产出音乐来一样。在他们的作品中，有时还可感觉到雷盖音乐（Reggae，见下文）和其他黑人音乐的影子.　
　　代表乐队:Talking Heads、Elvis Costello、Blondie、Duran Duran、B-52's、The Cure、Eurythmics、The Cars
、Bauhau
斯卡朋克
　　这是同第三次斯卡复兴浪潮紧密相关的一个概念,因为大多数后一类型的乐队都是建立在斯卡朋克基础之上的.顾名思义,他是源自牙买加的斯卡音乐同朋克摇滚的一个混种.
　　Ska-Punk最明显的表现特征是，不加失真（亦或失真很浅）的吉他音色，在弱拍上进行节奏铺底，而贝司进行和声旋律的走向。加之明快的节奏，音乐感觉很跳跃。在演出中，很多观众自发的跳起自编的无名舞蹈，随意、欢快！之后，出现了Ska舞。
　　斯卡(Ska)　牙买加的一种本土流行音乐形式(属于雷鬼乐族群),  斯卡(Ska)50年代产生,60年代早期非常流行,是后来风行一时的雷鬼乐(Reggae)的直接祖先.它受到新奥尔良节奏布鲁斯,爵士乐,非洲古巴黑人音乐,早期摇滚乐以及其他多种音乐形式的影响.这是一种轻快的音乐,蜻蜓点水般的吉他演奏和切分节奏是它的鲜明特色.从某种程度上讲,我们可以认为它是牙买加人用自己的方式演绎出的节奏布鲁斯.
　　朋克复兴Punk Revival(朋克复兴): 九十年代初期，美国朋克迎来了第二个春天。Green Day和the Offspring的Punk Pop(朋克流行乐)开始使朋克进入主流摇滚，或许受到八十年代末硬核转变为速度金属的启发，朋克复兴乐队的音乐不仅保持了简洁的音乐线条和飞快的速度，而且音乐愈发沉重起来。另一方面，强力流行乐讨好的形象和更加圆滑的音效、讲究的编排使听众在感受朋克力量的同时同样可以感受到优美的音乐，这也正是朋克得以复兴的法宝。Punk Pop被视为Post-Grunge(后垃圾乐，即温和商业化的Grunge)重要组成部分。
流行朋克
　　90年代朋克摇滚依然是一个热门主题,尽管这种宿求有时候是以其他方式表现出来的,流行朋克便是这种性质上的一种"朋克复兴",期间Green Day乐队商业上的成功是一个很大的推动力.但这一"复兴"已经失去了很多朋克的本色,因为它有大公司操纵的商业运作背景,朋克"愤世嫉俗"也正在被"健康向上"的商业流行因素索取代.
中国朋克
　　中国朋克 - 英文翻译即 China punk  中国朋克中国朋克即中式朋克。由于国情限制，中国朋克相对来说比较含蓄，没有国外那么直接。所以那些暴力、反政府等现象得不到正面的爆发只是在暗地里骂娘。
　　【中国朋克的体现】
　　打扮：朋克服饰。
　　发型：朋克发型。
　　音乐：朋克乐。
　　生活：扯皮扯淡为了所谓的具有中国特色的社会主义现代化而不屑。
　　网络：http://tieba.baidu.com/punk
　　杂志：《尿性!》 这是本电子杂志。 代表人物：百度punk吧里对生活不满烦躁的众多苦逼。 中国朋克的代表人物—邢浩松 他是多元化的代表着 非主流 哥特 视觉 朋克
　　他是中国的潮流人物
Straight Edge
　　Straight Edge(或者写为xXx,SE，SxE，或者sXe),是一种属于硬核音乐领域年青人的文化形式，起源于80年代初期的美国。其中心思想是:新一代Punk们对在朋克领域所普遍存在的酗酒，吸烟，特别是吸毒行为的反感和拒绝。其中一部分人还进一步放弃滥交，咖啡因，一些极端的家伙甚至成为素食主义者，可以说是Hardcore Punk领域的修行者。
　　70年代末期至80年代初，更快，更极端的Hardcore Punk音乐从传统的Punk音乐中发展分化出来，并吸引了大量的未成年人。但是这些
　　年轻人一方面得不到政治思想浓厚的传统Punk乐队的重视，另一方面又因为未达到合法饮酒年龄，因此无法进入多为酒吧，俱乐部，
　　等卖含酒精饮料的乐队演出地点。作为一只年轻的华盛顿乐队，Teen Idles遇到的问题更加复杂，他们不得不时常借助假证件或者
　　开后门来进入自己的演出场所，乐队成员们为此伤透了脑筋。直到有一天，他们来到Los Angeles一家酒吧演出，这里的门卫别出心裁，
　　想出了一条两全其美的办法。他在每一个未成年的手背上画上一个大大的“X”，用来告诫酒保们，不要卖酒给这些人。乐队后来把
　　这个方法带回了华盛顿，至此，Straight Edge的基本标志X已经成型，但是它还只是代表年轻的Punk拥趸，还没有任何的思想意义。
　　Teen Idles1980年的EP－－Minor Disturbance，乐队首次以在拳头上画X的形象出现在封面上。
　　虽然Hardcore Punk领域依然充满了暴力，酒精等不和谐音符，但
　　作为HxC的代表精神之一，sXe的身后站立了一批
　　生活自律，态度严肃，思想深刻的年轻人。
　　尽管sXe强调个人的控制比较多,与政治关系不大,
　　但它更提倡关爱,
　　提倡对社会公正和舆论道德的关注.在今天,
　　sXe精神已逐渐扩大范围,而且也越来越严肃.
　　从仅仅对人本身的关怀，已经延伸到对世界的和平.以及对世界卫生环境,
　　以及世界贫困人民的注重。
　　其对自身的高要求间接提升了乐队对音乐的要求，
　　表达种类变得五花八门,而且融合当今重型乐坛几乎所有的元素.
　　其中以硬核/金属核和emo为主的俩大发向发展,
　　情绪式的吉他轰鸣吸引了大批不信仰sXe但热爱音乐的人们投身在其中.
　　Straight Edge运动的影响从80年代一直到现在，
　　其严肃精神已经融入了新派Hardcore/Metalcore的血脉之中。
赛博朋克
　　赛博朋克（cyberpunk，是cybernetics与punk的结合词），又称数字朋克、赛伯朋克、电脑叛客、网络叛客，是科幻小说的一个分支，以计算机或信息技术为主题，小说中通常有社会秩序受破坏的情节。现在赛博朋克的情节通常围绕黑客、人工智能及大型企业之间的矛盾而展开，背景设在不远的将来的一个反乌托邦地球，而不是早期科幻(如太空歌剧)背景多在外太空。它的出现是对科幻小说一贯忽略信息技术的一种自我修正。赛博朋克也衍生出相关的电影、音乐、时尚。
　　风格
　　黑客英雄：《玲音》（Serial Experiments Lain）中的玲音。赛博朋克作者试图从侦探小说、黑色电影和后现代主义中汲取元素，描绘20世纪最后20年数码化社会不为人知的一面。赛博朋克的反乌托邦世界，被认为是20世界中叶大部分人所设想的乌托邦未来的对立面。
　　布鲁斯·斯特灵（Bruce Sterling）这样总结赛博朋克的特质：待人如待鼠，所有对鼠的措施都可以同等地施加给人。闭上眼拒绝思考并不能使这个惨不忍睹的画面消失。
　　在赛博朋克文学中，大多故事发生在网络上、数码空间中。现实和虚拟现实之间的界线很模糊。此流派经常使用人脑和电脑的直接连接。
　　赛博朋克的世界，人类生活每一个细节都受计算机网络控制的黑暗地带。庞大的跨国公司取代政府成为权力的中心。被孤立的局外人针对极权主义体系的战斗是科幻小说常见的主题。在传统的科幻小说中，这些体系井然有秩，受国家控制；然而在赛博朋克中，作者展示出国家的公司王国（corporatocracy）的丑恶弱点, 以及对现实不抱幻想的人对强权发起的无休止的西绪弗恩之战（Sisyphean battle）。
　　赛博朋克文学有着强烈的反乌托邦和悲观主义色彩。今天赛博朋克经常以隐喻义出现，反映了人们对于大公司企业、政府腐败及社会疏离现象的担忧。一些赛博朋克作家试图通过他们的作品，警示人们社会依照如今的趋势将来可能的样子。因此，赛博朋克作品写作的目的是号召人们来改变社会。
　　赛博朋克中常见元素
　　黑客
　　数字空间（Cyberspace）
　　虚拟实境
　　人工智能
　　控制论与仿生人
　　都市扩张与贫民窟
　　牛仔－像反英雄
　　大型企业
　　基因工程
　　毒品和生化
　　恐怖主义（特别是计算机恐怖）
　　赛博朋克作者和作品
　　威廉·吉布森（William Gibson）的“扩张三部曲”威廉·吉布森由于他的小说神经浪游者（1984年）而通常被人们与赛博朋克联系起来。他注重风格、角色成长以及传统科幻小说的氛围，神经浪游者曾被授予雨果奖及星云奖。根据术语档案（Jargon File），吉布森对计算机和当今黑客文化认识不深，使他对计算机和黑客在将来的角色有着特别的推测，而这种看法对黑客们来说天真的令人愤怒，却又令他们感到非常刺激。
　　其他著名的赛博朋克作家包括布鲁斯·斯特令（Bruce Sterling）、鲁迪·鲁克（Rudy Rucker）、帕特·卡蒂甘（Pat Cadigan）、杰夫·努恩（Jeff Noon）以及尼尔·斯蒂芬森（Neal Stephenson）。值得一提的是斯蒂芬森，他被认为是后赛博朋克（postcyberpunk）的代表，尽管大多数人认为这个区分很没必要。
　　雷蒙德·钱德勒（Raymond Chandler）因他荒凉的笔触、愤世嫉俗的世界观和残断的文字，强烈地影响了此流派的作者。赛博朋克的世界是一个反乌托邦的、黑色电影（film noir）的绝望世界。菲利普·蒂克（Philip K. Dick）对此流派也有很大影响。他的作品主题包括社会荒颓、人工智能、偏执狂以及现实及某种虚拟现实间模糊的界限。
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相关乐队及歌手

著名的朋克乐队
　　Sex pistols，Bad Religion，NOFX，1GPOP，The Clash，Green Day，Weezer，Rancid，the ramones ，CNPUNK，Blink-182，The All-American Rejects，Zebrahead
　　Simple plan，Sum41，Yellowcard，Good Charlotte，AFI，MxPx，Fall Out Boy，Bowling for Soup，Amber Pacific，Green Day
　　Anti-flag, the offspring,Rise Against.Army of freshmen,The click five,YeahYeahYeahs
著名的朋克歌手
　　All American Rejects
　　Allister
　　American Hi-Fi
　　Anti-Flag
　　Bracket
　　Blink182
　　kurt.cobian　Chixdiggit
　　Consumed
　　Dead To Me
　　Descendents
　　Dillinger Four
　　Ellegarden(日本人气PUNK)
　　Frenzal Rhomb
　　G.B.H
　　Good Charlotte
　　Green day
　　Love Equals
　　MadCaddies
　　Me First And The Gimme Gimmes
　　NOFX
　　None More Black
　　No Use For A Name
　　Only Crime
　　Propagandhi
　　Patti Smith
　　Randy
　　Rancid
　　Sex Pistols
　　Sick Of It All
　　Simple Plan
　　Snuff
　　  Smoke Or Fire
　　StrungOut
　　Subhumans
　　billie joe armstrong
　　Swingin
　　Sum41
　　The Click Five
　　The Lawrence Arms
　　The Loved Ones
　　The Dickies
　　The Lawrence Arms
　　The New York Dolls
　　Tim McIlrath
　　The Offspring
　　The Distillers
　　The Ramones
　　The Exploited
中国朋克乐队
　　（不完全统计）
　　  脑浊脑浊
　　花儿乐队（早期）
　　皮痛（P-TOWN）
　　反光镜
　　ANGRY JERKS
　　OLD DOLL
　　A BOYS
　　OVERDOSE
　　NO NAME
　　SUCKER
　　The Wheels(滑轮乐队)
　　生命之饼  生命之饼死逗乐
　　THE GASH
　　大尾巴鸡
　　坏血
　　越轨
　　JOYSIDE
　　69
　　过失
　　六连发
　　Outburst(爆发)
　　THE SUBS
　　13DOG
　　GANG BANG SEX ABUSE
　　蜜三刀
　　怪力
　　牙龈出血
　　有没有
　　指人儿乐队
　　捉迷藏乐队
　　大傻帽乐队
　　BIGGER BANG
　　后海大鲨鱼
　　小熊饼干
　　新裤子乐队
　　地下婴儿
　　beyond

疯克  放克  芬克

所谓“疯克”，其实是“FUNKY”（黑人爵士乐）的演变词，是黑人舞蹈的一种，最早是根据FUNKY音乐而创的，“疯克”是融合HIP－HOP和JAZZ元素的一种舞蹈。舞蹈动作里运动胯部和颈项的动作很多。而和爵士舞比起来，动作要求不那么严格和优雅。

运动量
　　疯克舞蹈动感强，消耗热量大，动作灵活多变，有黑人舞蹈中身体各部位快速扭动的传统，而且热烈、奔放。想练习“疯克”的人最好具有一定的舞蹈基础，否则在场上，手忙脚乱的那个一定是你；因舞蹈强度较大，对体能的消耗也比较多，所以还需具备一定的有氧操基础，但它却不失为一种趣味减肥的高招，
　　在充满乐趣与放松的过程中锻炼了身体。在激情高昂的FUNKY音乐气氛里，教练煽情的舞姿、剧烈扭动身体的伙伴，这种环境里，你就想放纵自己的身体。HIP－HOP的自由、JAZZ的优美、的厅狂放的感觉，在“疯克”舞蹈中，你都能体会到。
节奏
　　疯克对70年代后的R&B产生了巨大影响。它的重点在节奏上，强调鼓和贝斯构成的节奏部分。通常它的重拍落在每小节的第一和第三拍上（4/4拍的歌曲），而吉它则以节奏为主，旋律为辅。另外，传统灵魂乐中作独奏和合声的号，在疯克里也更突出了节奏作用。
　　疯克就是节奏。但没有太简单的节奏。
　　对于主流的灵魂乐和摇滚乐，疯克音乐最明显的区别就在于由贝司和鼓构成的节奏 部的不同：它的重音在强拍上，拿4/4拍的歌曲来讲就是第一、第三拍；而吉他则由一种 以演奏旋律为主的乐器转化为一种节奏乐器，scratch和断奏是演奏的要点；比之于传统 灵魂乐，疯克中管乐也更倾向于节奏的表现。一切开始于节奏！这让人兴奋。
快乐
　　同时疯克主唱与和声们又喊又叫、连唱带闹，这让人更觉得兴奋不止。疯克音乐听 起来让人快乐──如果你懂得快乐。不懂快乐的人只会说：疯克来源于黑人们的悲惨生 活……他们充满社会意识的歌词表现了黑人对不公正世界的思考……。但被压迫的人也 有快乐的权力啊！疯克就是音乐，在美国音乐的大熔炉中，它吸收了迷幻音乐、硬派吉 他摇滚、拉丁音乐、doo wop和其它一些音乐元素，但执掌一切的永远是快乐的口号和令人舞步难耐的节奏。
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疯克特色

　　Funk 舞曲起源于60年代，BPM约在120拍以下，中文翻译成：“放克音乐”。Funk舞曲也是一种原属于黑人的音乐。Funk舞曲中电贝司占了很重的比例，电贝司的和弦和节奏成为了Funk的主干线。Funk舞曲流行于70年代至80年代，由于和别的音乐融合，目前的Funk在速度及音乐构成上有了一些混血的变化。由于Funk的音乐口味太过典型和浓重，目前还没有流行趋势，只有在少数音乐作品中出现。
　　Funk 这个字就英文字面上来解释是指具有感情和韵律的音乐，它最早起源于60年代，是一种由黑人创作出来的流行音乐，乍听下，和R&B 节奏蓝调音乐有些类似。Funk Music 最大的特色是－－在它的音乐中 Bass 占了很重的比例，几乎是引导整个音乐的带领者。另外，Funk在歌词中多半是以夸大无礼的内容为主，很容易就让人印象深刻！ Funk Music 虽然起源於60年代，但它真正开始流行却是在70年代。80年代后，由于Disco音乐与电子合成乐的融入，渐渐使得Funk在速度及音乐内容上有了一些突破。
　　FUNK是一种强烈的，技术节奏感要求相当高的节奏型.
　　放克的基本元素是标准八分音符，一种强烈的四个一组的十六分音符的创新。想成为一位有竞争力的现代blues和R&B乐手必须掌握这种十六分音符的节奏
　　在现代音乐里，最重要的莫过于表现节奏了。FUNK可以说是现代音乐里一个最重要的组成部分，它的典型特点就是持续的带有旋律的四连音和声肢体
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疯克探源

起源
　　疯克(Funk)一词最早出现在节奏布鲁斯和灵魂乐的词汇表里始于Dyke&theBlazers的一首节奏布鲁斯热门舞曲“FunkyBroadway”中。理论家们的意见是：同“rock&roll”或“jazz”这些词一样，funk同样是一个关于性活动的委婉语，尽管在黑人社区中这个词经常用来形容味道难闻或东西粗糙。
六十年代末
　　六十年代末，这个灵魂乐的变种开始被称为疯克。
　　JamesBrown(詹姆丝．布朗)，“灵魂乐教父”，疯克音乐的缔造者。关于所谓的“父”有必要多费些笔墨。去年的Woodstock上，这位JamesBrown可能是最为高龄的表演者了，老则老矣，但感染力却一点不少。瘦死的骆驼比马大，听听这位大爷曾经被大家授予过哪些荣誉称号吧：头号灵魂乐兄弟！灵魂乐教父！表演事业中最卖力的工人！炸药先生！──没有任何舞台表演者能与无与伦比的JamesBrown相比。当然有些歌手比他更流行，有些比他更有技巧，但没有任何黑人音乐家在六十年代到九十年代一直保持着那么大的影响力，也没有任何音乐家(无论流行还是古典)能像他一样有如此激动人心、精力充沛的舞台表演。JamesBrown曾在美国黑人音乐革命史上的两次扮演英雄的角色，第一次是在节奏布鲁斯向灵魂乐转化的潮流中，而另一次便是灵魂乐向疯克乐的进化。他在六十年代的单曲“OutofSight”和专辑《Papa'sGotABrandNewBag》点燃了疯克音乐的导火索，紧凑的铜管乐、意识流的歌词与断奏的吉他成为了疯克音乐的注册商标(当然还有他无人能够模仿的尖叫和呻吟)。那时的音乐还不叫疯克，但复节奏、爵士感觉、即兴化这些元素已奠定了疯克大厦的基石。
　　自那以后，Brown开始了他由乞丐到富豪的传奇经历，他的金钱和知名度与日俱增。从1965年到1970年，他几乎就没怎么离开过公告牌的R&B榜，在Pop榜上也是常客，在最受欢迎的音乐会目录上他总是榜上有名，美国的电视上也都是他著名的“GoodFoot”舞步，他甚至作为黑人社区的代表被邀与总统之类的政客会面。他的音乐在70年前后越来越“疯克”，“ColdSweat”、“IGottheFeelin'”和“ThereWasaTime”这些作品都是标志性的作品──不仅旋律被节奏淡化，歌词也变成了一些下意识的口号。当然，老Brown既然说自己是“性机器”，那么在性的问题上自然也颇有建树──他将“性”由一种黑人音乐的“老”时尚变成了一种“新”的时尚──在JamesBrown的音乐中你会发现，他既为自己是黑人而骄傲，也为自己超强的性能力自豪。
　　JamesBrown的“厚脸皮”是疯克音乐典型的气质。所以后来就有了Prince这样将性交录音当歌曲卖的家伙。这是直率的社会态度还是狡猾的商业伎俩？为JamesBrown的巨大成功做出巨大贡献、同时也为“疯克之声”定型的是JamesBrown的乐队及其合作者们，他们是不折不扣的疯克开山元勋、最伟大的疯克乐手。JamesBrown是出色的乐队领袖，同时也是严厉的监工，他和原来的乐队一直合作到1969年。之后他与一支叫作thePeacemakers(和平缔造者)的年轻乐队进行了一年短暂但意义重大的合作，在此期间，他受吉他手CatfishCollins和贝司手BootsyCollins影响，向更硬派的疯克转化。JamesBrown在七十年代早期的作品基本上已经是较为完善的疯克作品，疯克元素非常典型化，并完全依靠节奏驱动。
七十年代中期后
　　七十年代中期后，Brown先生恶梦连床：1、评论界认为他老是自我重复。2、儿子车祸死了。3、离婚。4、卷入贿赂事件(与我们钦佩的目光相反，在美国这是真正的丑闻)。5、毒品问题。6、财政紧张。7、被税务局盯上。传奇人物总会阶段性地失败一下，直至被关进监狱，但他们总会例行公事地重振旗鼓，然后成为传奇人物。但这是后话了，反正你记住，JamesBrown的真正成就和故事比你从本文中得到的印象要多出20倍，他的生活比《神探亨特》还刺激，他的音乐对今天排行榜上年轻的黑人乐手来说就是圣经。
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疯克舞蹈

简介
　　街舞总的分类为old school与new style，平常的比赛里就分成两个大组Funk组与new style组，Funk就是oldschool街舞的总称。它是20世纪60年代末70年代初产生于美国西海岸的一系列舞蹈的总称，它包括机器人舞、锁舞、机械舞、霹雳舞(A)、布加洛舞、动画舞等许多舞蹈风格。在20世纪80年代街舞刚刚流行的时候，媒体通常错误地把它们也叫做Breaking（霹雳舞）。而霹雳舞(B)以及嘻哈诞生于东海岸，与西海岸舞蹈具有完全不同的根源。即使在现在，疯克舞被接纳为嘻哈舞蹈的一部分，它仍然扎根于疯克（Funk）文化之中，这也是这类舞蹈名称的由来。锁舞和机械舞以及霹雳舞是疯克舞最主要的两类舞蹈。  到底霹雳舞是西海岸的还是东海岸的？到底属于不属于funk？
锁舞（Locking）
　　在约70年代时，位于洛杉机的一家夜总会里，一位名叫Don Campbell的人发明了locking（又称Campbellocking）这种即兴发挥的独特舞步。这样的舞步于它的附属文化很快的就向外蔓延并掀起一阵狂热，还促成了当时一个人称Soul Train的新兴电视节目。在这节目里，舞者飞快地展现锁（lock）于指（point）这些动作，并且不时伴着拍手（clap）与劈腿（splits）的技巧来诠释自己独特的风格。
　　Don创始了「Campbell locking」这样的即兴舞蹈并不断地让它更具风格。他与他的伙伴Damita Jo Freeman同当时举办Soul Train的工作人员四处巡回，在这不久之后Don就组成了另外一个以locking即兴solo为主要风格的团体，它的名字是「Campbellocking Dancers」。这个团体是由Don Campbell、Fred "Mr. Penguin" Berry、Charles Robot、Slim Robot与Sambo Lock所组成，当时他们表演方式是跳舞的人从大家排成的一直线站出来solo再退回去。 在那段时间Greg Campbellock Jr.、Scooby doo Foster、Leo Fluky Luke、Tony Go-Go、Buddy Go-Go与Skeeter Rabbit一直在发明新的舞步，那些动作后来都统一了，就像现在大家所学到的一样。
　　在1972年Go-Go Brothers（除了原本的Tony与Buddy，还加入了Skeeter Rabbitt）成为了第一个呈现融合小短剧与舞蹈的locking舞团，不管是大型的表演活动或是小型的宴会，都是他们展现身手的舞台。
　　在1972年末1973年初，Scooby Doo与Campbell lock Jr.撮合了Go-Go Brothers、Skeeter Rabbitt，以及当时的女性锁将如Arnetta Johnson、Fredy Maxie与Lorna Dune，组成了史上第一支男女混合的locking舞团，称之为「Creative Generation」，这个团体除了研究舞蹈，在舞台上诠释舞蹈还将它授于他人，同时也以身为Legendary Watts Writers Workshop成员之一的身份在各地巡回演出。
　　在1973那年的夏天，在Don Campbell的策划下采用「Lockers」这个词，创立了众所周知的传奇性舞团──「The Lockers」。这个团体在当时locking史上是最充满活力冲劲与影响力的一群人，舞团人力中不但有最棒的即兴舞者，也有顶尖的编导可以运用。整个团体由Don Campbell、"Slim Robot"、Fred "Rerun" Berry、Fluky Luke、Greg Campbellock Jr.、相当有声望的Chorographer Toni Basil与年轻有天份的Adolfo "Shabba Doo" Quinones所组成，而Campbellock Jr.将当时他在Creative Generation编排舞的经验带入The Lockers，locking这种艺术便逐渐在世界上崭露头角。
　　当The Lockers这团体盛行时，其它的OG舞者像Tony Go-Go与Skeeter Rabbitt在70年代也加入其中并且随着一起巡回表演。同时，其它的地下团体如33RPM与Ghetto Dancers等也在早期那段时间组成。
　　这些团体包括了各式各样不同组合的old school locking舞者。这样的情况引发了
　　一种舞蹈的风气，这风气从洛杉矶的城市内到郊外，再从这个国家到那个国家，
　　逐渐向外散布出去。
　　在1975年locking这个舞蹈已经发展成熟，而70年代末第一代的The Lockers
　　解散，在80年代重新组成第二代，并加入了old school 舞者"Alpha" Anderson、Lewis Green "Deputy" Lionel与Douglas "Big" D。同时在80年代Tony Go-Go在日本建立了一所学校专门引领大众踏进locking这个领域(tony go-go的两个儿子目前正在日本活跃中)，这在世界上掀起了另外一股真的是想认识并了解locking的舞蹈与文化的风潮。
　　直到今天locking一直是许多人所追求的一种舞蹈形式，走过了几十年的风风雨雨，它不断发展，愈加强大，展现出了更耀眼的光芒。
Poppin
　　80年代街舞风行的时候,媒体经常不准确的使用术语"霹雳舞(breakdancing)",并且将它作为他们所见到其他街舞风格的一个总术语.然则很多人不知道还有那么多别的风格以及其他附属文化的存在,以及其他风格的特征。
　　Popping和Boogaloo风格的诞生：
　　在1975年加利福尼亚州一个叫Fresno的小城市,住着一个叫Sam的害羞的男孩。在看了电视上原始的Locker表演后得到灵感， Sam开始创新后来被称为boogaloo或boogie的动作。
　　这个名字来自于老James Brown的歌“Do the boogaloo”。当有一天Sam在房间里跳舞的时候，他的叔叔说: "Boy, do that boogaloo! "迷惑的Sam问他的叔叔, "What s boogaloo? "。"That means you are gettin down" 他的叔叔答到。从那天开始他就被称作Boogaloo Sam。
　　没多少人知道什么是Boogaloo以及怎么做。 Boogaloo是使用身体每个部分的不固定的可改变的风格。它包括使用角度和一体化的动作让所有的
　　动作在一起流动。常常用卷动胯、膝、头。使你的腿做奇异的动作，并且在舞台上用Walkouts和位到位的转换掩盖很多空间。尽管他被描述为流动, 但是它和wave风格有区别！
　　Popping是Sam创建的另一个风格。人们从来都搞混它到底是什么风格。人们认为它是所有有来自于funk动作的风格综总合或总称，其实并不是的。 Popping是属于自己的一个风格（Popping is a style in itself），它包含腿部猛地吸住（leg pop)，并且不停紧收你的肌肉来产生一种急拉的猛地吸住的效果（jerky/snapping effect）Popping只是一个风格。他并不是funk风格的总称。如果你 pop,那么你就是个popper。如果你wave,那么你就是个waver。如果你 Boogaloo, 那么你就是个boogalooer, 等等。
　　当Sam跳舞肌肉爆破(肌肉爆破=Pop)时他会说“pop”,当他们模仿机器人时就好像有人制造机器噪音一样。Sam就会说"pop, pop, pop"。人们经常对他说 " Hey do that popping stuff! "
　　很多很多人问什么是Electric Boogaloo style。 Electric Boogaloo style就是popping加boogaloo风格。这两个风格互相补充然后成为了让EB风靡全球的杀手锏 。
　　当Sam创建popping和boogaloo的时候, 其他人的也在用他们自己的方式创立新的popping风格并且发展，美国西海岸的其他地区的风格也为世人所知，它们都有自己深远的历史。这些地区包括奥克兰，萨克拉曼多和旧金山。
　　发展到今天，“popping”成为这一舞种形式的总称。
　　其他风格还包括：
　　Air posing
　　Animation
　　Bopping
　　Centipede
　　Crazy Legs
　　Cobra
　　Dime Stopping Filmore
　　Floating/Gliding
　　Hitting
　　Popping
　　Puppet
　　Robot
　　Saccin
　　Scarecrow Snaking
　　Spiderman
　　Sticking
　　Strobing
　　Strutting
　　Ticking
　　Tutting
　　Waving
霹雳舞（breaking）
　　其实breaking是由早期的霹雳舞演变过来的，很多人认为霹雳舞就是早期的popin，因为里面有很多wave之类的popin动作，其实只有大家注意看就会发觉早期的霹雳舞者喜欢wave完以后加个风车之类的地板动作，只是随着时间演变这些霹雳舞里面的wave被划分到popin里面成为了一部分，而地板的动作加上了rock top则成了breaking，这是一种很讲究力量的舞蹈，如倒立，风车，单手倒立等经典动作都是需要一定力量的，这种舞蹈通常男生比较喜欢，而女生则由于先天条件跳这种舞蹈的寥寥无几。
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funk音乐分分类

　　p-funk也就是流行funk ，它通常节奏很快，音乐里面常常加入号，电吉他，和贝斯的声音，这几种元素在流行Funk里面经常被大量使用，这种音乐通常被locking舞者使用
　　G-Funk也就是“黑帮”疯克（Gangsta Funk），已经脱离了疯克乐的范畴。多采样P-Funk而形成的美国西岸hip-hop。代表人物：2pac、Dr.Dre、Snoop Dogg等。
　　  breaking b-bit，从名字就可以了解这是breaking舞者用的Funk音乐，它的特点是军鼓使用频繁，节奏快而且碎，很适合breaking的脚下动作。

英伦摇滚

所谓"Britpop"，可以直接翻译成“英式摇滚”或“英伦摇滚”。britpop作为一种音乐类型，自然难以被绝对化定义，所以以下定义都是相对而言。 典型的britpop由吉它，贝司，鼓组成。当中吉他是核心，通常以简单，略带迷幻色彩的扫弦为主，其和弦走向亦主导全曲；贝司负责低音部分的旋律，通常演奏和弦中的琶音；鼓多以中速演奏。

什么是britpop

　　从曲风上看，britpop继承了beatles时代以来的吉他流行风格，又吸纳了60年代晚期Kinks的田园之声，中速音乐（the Who, the Small Faces），70年代的迷幻（David Bowie, T.Rax, Roxy Music），朋克和新浪潮（the Jam, the Buzzcocks, Wire, Madness, XTC, Squeeze, Elvis Costello），还有the Smiths的另类吉他流行。
　　从内容上看，britpop大多演唱同时代英国青年自己的生活，色彩多以黯淡，颓靡，桀骜为主，也由此在短时期内迅速风靡英伦三岛。
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britpop的历史

　　关于britpop的起源，主流看法有两种。
　　1是80年代的the stone roses乐队。这支来自曼彻斯特的乐队在89年发行的同名专辑，融合了典型吉他流行风格与独立音乐风格，在当时引起了广泛关注，一些英国媒体直接称它为“新迷幻音乐”。
　　2是90年代的suede乐队。他们在93年发行的同名专辑，以鲜明的吉他流行和颓靡色彩迅速征服了英伦三岛。更把这种新类型音乐推向了主流舞台，让人们不仅喜欢suede这支乐队，而是喜欢上britpop这种音乐风格，从而开启英伦摇滚音乐史上新篇章。
　　无论是上述哪种看法，一个无可厚非的事实是：britpop的顶峰时期是90年代中期。
　　自93年suede发行的同名专辑大受欢迎后，两支日后的britpop旗帜性乐队oasis和blur在94年相继发行了确定他们地位的专辑Definitely Maybe和Parklife。专辑刚一面世即大受好评。尤其是Definitely Maybe甚至被视作sex pistols以来最佳处女作专辑。此后，一批颇具实力的britpop乐队相继走红，当中包括supergrass，pulp，the Verve，Elastica，Placebo，travis等，他们虽各有特色，但都牢牢把握了britpop的核心进行创作。在那段时期，每年都有若干张极高水准的britpop专辑面世。尤其是在媒体的推波助澜下，oasis与blur两支乐队的纷争成为广大歌迷关注的热点，由此带来的是britpop在当其时的主导地位。
　　任何类型的音乐在主流位置上逗留时间长了，都会开始出现分支，乃至被赶下神台，britpop也不例外。
　　90年代后期，电子音乐的兴起以及部分主流britpop乐队的离去与没落，象征着britpop的没落。虽然此后coldplay，muse，radiohead等新型britpop乐队大红大紫，但他们真正吸引人的地方早已不再是原来britpop的精髓，由此他们也时常被冠以“后英伦摇滚”之名。
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著名的britpop乐队

　　suede，the stone roses，oasis，blur，Snow Patrol,supergrass，pulp，the Verve，Elastica，Sleeper，Placebo，travis，Mansun，muse，radiohead，Geneva，the charlatans uk，The La's，Keane ，Thirteen Senses，Starsailor，Supergrass Radiohead, Coldplay 等等。
　　Arctic monkeys，Mcfly和the Auteurs，One Republic，Maroon 5
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优秀britpop专辑

　　She Loves you---------------- The Beatles披头士的成名作，从此英国变成摇滚发源地，其影响力之大不言而喻。
　　The Stone Roses-----------------The Stone Roses：Ian Brown那漫不经心地演唱和孤傲、超然的性格,john squire诱人的吉他演奏片段和起伏的节奏，英伦摇滚的第一支乐队唱出了英伦真正的精髓。
　　Dog Man Star---------------------------Suede：以主唱兼灵魂人物布雷特·安德森（Brett Anderson）为首的Suede是扮演着绝对举足轻重的角色，由于乐团成立于英国伦敦，因而也被称为London Suede。Suede并不另类，相反却十分流行。
　　Definitely Maybe-------------------Oasis：在06年的一场四万多名英国歌迷参与的评选中，它被评为了史上最佳专辑。
　　What's The Story(Morning Glory?)--------------Oasis：这张专辑是Oasis评价最高质量最高，罪不可逾越的一张专辑。里面既有一贯Oasis“流氓”风格的摇滚歌曲也有耐听美妙的柔摇滚。
　　Be Here Now----------Oasis：比以往专辑更加硬朗 更加强烈 发起了新的英伦摇滚表达模式，其中All Around The World更是实验气息浓厚的突出优秀作品，Stand By Me是英伦摇滚最入门最必听的歌曲之一、
　　Modern Life Is Rubbish--------------Blur：认识Blur与britpop的入门之选。Blur 经典三部曲之一。Blur成名专辑。把Britpop推向鼎盛时期。
　　Parklife ————Blur 犀利冷酷的讽刺让这张专辑成为Britpop不多的的有内涵之作。
　　A Northern Soul---------------------- The Verve：神韵三张专辑里耐听度最高的一张，堪称英伦摇滚完美时期的完美作品
　　Urban Hymns----------------------The Verve：英国史上销售速度最快的专辑之一,1998年全英音乐奖最佳专辑，神韵的巅峰之作。专辑第一首歌Bittersweet Symphony堪称乐队最经典旋律，被coldplay主唱称为人类所能写出来的最好的歌曲。
　　The Bends-----------------Radiohead：britpop经典之作。
　　Ok Computer-----------------Radiohead：这张堪称90年代最重要的摇滚专辑，把电台司令带到了一个新的高度。　
　　Different Class------------------------Pulp：最出色也最Pulp本色的专辑，迷离和调笑外表下强烈的躁动。
　　Invisible Band--------------------Travis：全张专辑都是标志性的优美旋律，其内涵胜过travis之前的所有专辑。
　　Without You I'm Nothing----------Placebo：安慰剂以其无比华丽在britpop乐队重别树一帜。这是他们的代表作。
　　I Should Coco-----------------Supergrass：来自劲草乐队的优美之作。
　　Black Holes and Revelations---------Muse：以电气化britpop取胜的出色乐队。
　　When It's All Over We Still Have to Clear Up ----------------Snow Patrol：虽有些自恋，但旋律无比优美。
　　Room on Fire ----------------The strokes：虽然名义上the strokes是一只独立摇滚乐队，但乐队成员及其音乐风格所体现出来的浓厚的英国情节，让人不禁怀疑是否戴在他们头上的更应该是britpop的帽子。总之，这是一只才华横溢，但绝无丝毫做作，脚踏实地的乐队。
　　The invitation----------------Thirteen Senses：当into the fire 得旋律响起的时候，你会不禁赞叹，多么柔情似水的一支乐队。
　　Razorlight ----------------Razorlight:刀光选择了第二张专辑作为他们的同名专辑，原因只有一个，这实在是一张非常优秀的专辑。Q杂志为此专辑奉上五星满分高评，单曲IN THE MORNING空降英国金榜季军，并 连创七首畅销单曲纪录。一张好听到无须多言的专辑。
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英伦摇滚的精神内涵

　　什么是英伦摇滚？当你认为是oasis的狂妄不羁时，你会惊讶于Radiohead的孤独与消沉，当你认为是travis和thirteen senses的率真与优美时，你会在the verve所走的那条让万物交汇之路面前显得有些不知所措。这是一种多么奇特的音乐啊，狂傲，内敛，优美，晦涩，不可一世，极端脆弱，仿佛所有的情感，思想都可以在这里交汇，然后幻化成一首首绝美的旋律，让你沉默，让你狂舞，让你欢笑，让你哭泣，更重要的是，让你思考。
　　我们为何而活？生命的意义究竟何在？我相信the verve,oasis,Radiohead肯定无数次想过这个问题.Oasis想征服世界，他们似乎做到了，利亚姆在live forever里唱着也许我什么也不相信，也许我只想飞向远方，也许我只愿永远活着，也许你和我一样。也许，他们真的征服了世界。the verve似乎也想过征服世界，但同时他们似乎又觉得也许一切都无所谓，当你听the verve前两张专辑的时候，你不会听到哪怕一首像oasis那样简单狂妄的歌曲，每一首歌的背后都有无数复杂的情感在纠缠涌动，爱，但却无法爱；恨，却似乎没什么好恨；在追求，却不知道追求什么；仿佛世界在你脚下，但一眨眼间，却孤独脆弱到不堪一击，一切都仿佛是1860年代圣彼得堡阴沉天空下在街头恍惚漫步的拉斯科尔尼科夫们。radiohead也是孤独的，但是他们没有丝毫类似于oasis的雄心壮志，the verve至少想过，而radiohead压根连想都没想过，他们是尼采疯掉后的卡夫卡，是生活于20世纪繁华都市里的孤独者，听他们的歌，总是让人不禁想起读村上春树的日子，迷茫，无力，孤独，宁愿孤独，彻底孤独，不妄想理解，甚至不希望被理解。这三支乐队，是真正的英伦摇滚乐队，他们是尼采，是拉斯科尔尼科夫，是卡夫卡，是村上春树，是音乐的思考者，是痛苦的承受者，是这个世界上真正的强者！

流行金属

作为重金属音乐最具柔和元素的音乐分支，流行金属在80年代成为最受欢迎的重摇滚音乐。一些该风格的乐队在音乐中凸显了金属乐的基本元素----吉他演奏的即兴重复，但流行金属最吸引人的地方是其十分令人痴迷的第一段合音。

目录

简介
发展
相关艺人
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简介

　　  流行金属Pop-Metal（流行金属）　大部分洛杉矶（一个音乐风格十分集中的地方）的乐队在风格上倾向于英式迷幻摇滚，并在80年代末成为另一种更具虚幻意味的“微金属”音乐的萌芽。流行金属曾一度广泛流传，甚至拥有许多成熟的工作室。70年代的乐队如aerosmith和alice cooper毋庸置疑左右了这一音乐风格，其实真正意义上流行金属音乐起源于kiss乐队。kiss的音乐十分简单却又充满诱惑力，他们大范围的演出则是其走红的重要推动力。接着出现了van halen, 他的疯狂的大众摇滚以及音乐中的艺术元素吸引了许多拥趸，并逐渐形成了后来的流行金属。第一批流行金属乐队----如motley crue(后来成为乐坛上的明星), quiet riot, dokken, ratt, 和twisted sister----最开始并未引起很多注意，后来才逐渐崭露头角。从这个意义上说，1983年def leppards的跨时代的成功也许是金属音乐历史上最值得纪念的事情了。
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发展

　　1986年wet乐队打破了之前的乐坛形象开创了微摇滚时代，Bon Jovi不仅宣传自己的音乐，同时也将其具体形象（如梳理的十分整齐的头发）作为一个典型标志。接下来的几年里，def leppards式的歇斯底里风格创造了全然不同的音乐，并大为流行。然而并不是全部的流行金属乐队都加入了形象上注重体面的微摇滚音乐阵营；Guns n' Roses, Tesla, 以及Skid row坚定地承袭了流行金属风格，Extreme兼具流行金属和微摇滚风格，而极富经验的乐队如Kiss, Aerostith, Alice cooper则都向流行风格靠  WET乐队 专辑拢。但总体上看，微摇滚似乎更为盛行，包括Aerosmith的大众化布吉乐，和Van Halen的部分具有强烈aor风格的民谣歌曲；相比之下Poison乐队则更为具体地表达了微摇滚中突出的迷幻丰盛的元素。流行金属和微摇滚（以及兼具这两者风格的音乐形式）打破改变了1991年车库音乐的条框；部分流行金属乐队依然保持其不大的影响，而事实上这一风格的音乐一无法回复到最初的辉煌。
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相关艺人

　　Aerosmith,Bon Jovi,Cinderella,Def Leppard,Dokken,Extreme,Great White,Kiss,Motley Crue,
　　Mr. Big,Poison,Ratt,Skid Row,Slaughter,Tesla,Van Halen,White Lion,Whitesnake,Winger;Nitro;L.A.Guns,
　　Armored Saint,Wild Dogs,Heavy Bones,Vinnie Vincent Invasion,W.A.S.P,Firehouse,Stryper
　　, Sheriff, Alias, White Lion